Die besten Filme der Filmfestspiele von Cannes 2025, über die alle reden werden

In einer Art Neuanfang für den türkisch-deutschen Autorenfilmer von „Gegen die Wand“ folgt Akıns Klassiker „Amrum“ einem Kind auf der gleichnamigen deutschen Insel in den letzten Tagen des Zweiten Weltkriegs. Es ist Nanning (Jasper Billerbeck, ein begabter Neuankömmling), ein belastetes Kind, das von einer Nazi-Mutter aufgezogen und gegen seinen Willen mit der Ideologie der Hitlerjugend indoktriniert wurde. Doch als er langsam seinen eigenen moralischen Kompass entdeckt, wird ihm klar, dass dieser ihm schon immer geholfen hat, Recht von Unrecht zu unterscheiden. Aufgebaut wie eine düstere, aber anmutige Fabel, die Nanning auf der Suche nach dem Nötigsten für seine Mutter über die Insel folgt, wird „Amrum“ (geschrieben von Hark Bohm, basierend auf seinen eigenen Erinnerungen) zu einem Akt der Großzügigkeit, indem es eine solche selbstlose gute Tat in den Mittelpunkt stellt. Es ist ein leise, ergreifender Film.

Fürchten Sie die explodierende Wut einer unzufriedenen, jungen Mutter in der Provinz und genießen Sie eine der besten Leistungen von Jennifer Lawrences Karriere. Nach „Causeway“ (2022) ist es immer noch ein unvergleichliches Erlebnis, sie die ungezwungenen und riskanten Seiten des Independent-Kinos entdecken zu sehen – genau die Art von „ Winter’s Bone“ , die uns überhaupt erst in sie verliebt machte. Wild, ungezähmt und akribisch inszeniert – Lynne Ramsays außergewöhnlich origineller Film „Die, My Love“ stellt Lawrence und Robert Pattinson auf die Probe, während sie sexy und grenzenlos ein wildes Paar darstellen. In Cannes wurde der Film als „Film über postnatale Depressionen“ bezeichnet, doch diese unvollständige Kurzform verfälscht die Wahrheit im Kern von Ramsays Film. „Die, My Love “ ist sowohl eine glühende Analyse des Paarlebens als auch eine filmische Ode an jede unzähmbare Frau, die mit ihrem sehnsuchtsvollen Herzen und ihrem kratzbürstigen Verstand in Kontakt ist – Frauen, die es kompromisslos so wollen, wie sie es wollen.

In den ewig gespaltenen USA zu leben und einige der schlimmsten Instinkte des Landes rund um wissenschaftsleugnenden Fanatismus mitzuerleben, kann einen in den Wahnsinn treiben. In seinem Nachfolger zu „Beau is Afraid “s berauschender Odyssee in die menschliche Psyche verwandelt Ari Aster diesen alltäglichen amerikanischen Wahnsinn in einen der künstlerisch vollkommensten und fesselndsten Doom-Scrolls des Jahres. Er ist aufschlussreich, herrlich verrückt und oft sehr lustig. (Vielleicht ist es an der Zeit, anzuerkennen, dass Asters Sinn für Humor genauso scharfsinnig ist wie sein Horror-Talent.) Sein „Eddington“ ist sowohl der definitive COVID-Film als auch eine Art moderner Western, der in einem hervorragend inszenierten und allmählich düsterer werdenden Finale gipfelt. Joaquin Phoenix, mittlerweile eine tragende Säule von Aster, ist hier als korrupter Sheriff seiner Stadt wenig überraschend sensationell. Ebenso wie Pedro Pascal in der Rolle seines Hauptgegners.

Hermanus' wunderschöner Film „ Living“ aus dem Jahr 2022 war ein Meisterwerk zärtlicher Zurückhaltung, und dasselbe gilt für seinen meisterhaften Film mit Paul Mescal und Josh O'Connor in den Hauptrollen, der eine stille, epische Liebesgeschichte zwischen zwei jungen Musikwissenschaftlern vor dem Hintergrund des Ersten Weltkriegs erzählt. Während Hermanus' sachliche Art, die Liebe und Sehnsucht zwischen den beiden Männern als selbstverständlich in einem Historienfilm zu behandeln, geradezu radikal wirkt, ist das Besondere an „The History of Sound“ sein zeitlos klassisches Gefühl. Sein Kontinente umspannender Umfang und seine Reise durch die einzigartigen Klänge und Noten der alten amerikanischen Kultur (der Soundtrack ist von schmerzlicher Schönheit) versetzen den Zuschauer in die Seiten eines großen, verlorenen Romans – bis hin zum wohlverdienten, „Abbitte“ -ähnlichen Ende des Films. In den 90er-Jahren bekamen wir diese Art anspruchsvoller und doch zugänglicher Prestigefilme oft genug zu sehen. Heute fühlt er sich wie ein seltener Genuss an, in dem man schwelgen kann.

Für Jafar Panahi war es ein historisches Ereignis, zum ersten Mal seit 2003 wieder persönlich in Cannes zu erscheinen. Der iranische Meister, der häufig vom iranischen Regime ins Visier genommen, jahrelang verhaftet und mit Filmverbot belegt wurde, hat nie aufgehört, seine Regierung mit bahnbrechenden Werken wie „This Is Not a Film“ (2011) herauszufordern. Nach seiner Entlassung im Februar 2023 unterschreibt Panahi nun einen seiner bisher besten und persönlichsten Filme. Darin begleitet er eine Gruppe von Menschen, die herauszufinden versuchen, ob der Mann, den sie gefangen genommen haben, tatsächlich derjenige ist, der sie im Gefängnis gefoltert hat. Zunächst ein Rachethriller, dann eine umfassende und würdevolle Auseinandersetzung mit Begriffen wie Rache, Vergebung, Moral und Abschluss – der verdiente Gewinner der Goldenen Palme dieses Jahres liefert ein exquisites Plädoyer dafür, sich unter allen Umständen an unsere Menschlichkeit zu klammern.

Filme, die so gefühlvoll und intim wie „Die kleine Schwester“ sind, sind selten. Angeführt von einer umwerfend souveränen Darstellung von Nadia Melliti (die diesjährige Gewinnerin des Preises für die beste Hauptdarstellerin des Festivals), ist Herzis zurückhaltende Meditation ein geduldiges und mitfühlendes kleines Drama über ein praktizierendes muslimisches Mädchen in Paris, das sich im Rhythmus ihrer grenzenlosen Stadt zurechtfindet, ihre wachsende Identität als Lesbe entdeckt und versucht, ihre Bedürfnisse und Wünsche mit den Lehren ihrer Religion in Einklang zu bringen. Zu den größten Errungenschaften des Films zählt Herzis absolute Ablehnung von Klischees. Wo ein schlechterer Film das Klischee der konservativen muslimischen Familie ausgeschlachtet hätte (von dem dieser muslimische Kritiker genug hat), inszeniert „Die kleine Schwester“ eine wunderschöne Mutter-Tochter-Szene, in der bedingungslose Liebe tief empfunden wird und die eine zutiefst universelle Wirkung hat.

Wie würde ein Heist Movie von Kelly Reichardt aussehen und wirken? Die Antwort darauf liefert der schillernde Gaunerfilm „The Mastermind“ , eine sanfte und wundervolle Dramedy, belebt vom Geist des 70er-Jahre-Kinos (aber unaufdringlich und unkompliziert). Josh O'Connor spielt berührend und hinterhältig einen Kunstdieb in einer Stadt in Neuengland, der vom Pech verfolgt und von einer Reihe schlechter Entscheidungen behindert wird. Mit einer bezaubernd jazzigen Filmmusik, die den eigenwilligen Humor des Films unterstreicht, ist „The Mastermind“ ein neues amerikanisches Juwel und vielleicht Reichardts kommerziellster Film.

Davies Jr.s eindrucksvolles Debüt ist der erste nigerianische Film, der in Cannes Premiere feierte. Es erzählt eine spannende Geschichte, die sich an einem einzigen Tag im Jahr 1993 abspielt. Der Film folgt einem meist abwesenden Vater (dem unglaublichen Ṣọpẹ́ Dìrísù), der mit seinen beiden kleinen Söhnen, die ihn vergöttern, von einer Kleinstadt nach Lagos reist. Vor dem Hintergrund der Präsidentschaftswahlen des Landes ist Davies Jr.s introspektiver Debütfilm eine gelungene Studie der Kontraste: Gewalt im Gegensatz zur Menschlichkeit, soziale Unruhen im Gegensatz zu den sanften und herzlichen Momenten, die die Familie teilt, und kindliches Staunen im Gegensatz zu den schlimmen Umständen. Der Film ist auch eine vielschichtige Darstellung schwarzer Männlichkeit, die einerseits durch die Augen der jungen Figuren liebevoll gesehen und andererseits von Dìrísù mit poetischer Haltung vorgetragen wird.

Linklaters eleganter Liebesbrief an die einflussreiche Ära des französischen Kinos (die sogar die New-Hollywood-Generation inspirierte) wäre selbst dann eine herausragende Leistung, wenn er angehende Cineasten lediglich großzügig in die Filmgeschichte einladen würde, ohne sie einzuschüchtern. Doch der amerikanische Autor mit seinen lockeren Rhythmen und organisch fließenden Dialogen erreicht mit seiner freudig schönen Erzählung der Entstehung von Jean-Luc Godards bahnbrechendem „Außer Atem“ weit mehr. In atemberaubendem Schwarzweiß und mit der körnigen Tonqualität der Ära erweckt er den Historienfilm zu neuem Leben und macht ihn romantisch, detailreich und zeitlos. Mit den fesselnden und unheimlich anspruchsvollen Darstellungen von Guillaume Marbeck und Zoey Deutch als Godard und Jean Seberg ist die Liste der Meister, die die Nouvelle Vague ehrt (François Truffaut, Claude Chabrol, Agnès Varda und andere), so umfangreich wie der Film, der sie umgibt. Linklater liebt diese Zeit und er möchte auch Sie zu seinem Liebhaber machen.

„Süß“ ist wahrscheinlich nicht das erste Wort, das einem bei einer BDSM-Romanze in den Sinn kommt. Und doch beschreibt dieses Wort „Pillion“ , den neuen Film des Drehbuchautors und Regisseurs Harry Lighton, perfekt. Harry Melling, ein junger, auf Anhieb liebenswerter Kerl, lebt bei seinen unterstützenden und liebenswerten Eltern und versucht, das gesamte Spektrum seiner Identität als schwuler Mann zu verstehen, während ein (in den Worten des Films) „unglaublich gutaussehender“ Alexander Skarsgård einen Hardcore-Motorradfahrer darstellt, der zum Objekt der Begierde für Melling wird. In „Pillion“ gibt es abartigen Sex, Fälle von Missbrauch, Stiefellecken und andere schockierende Bilder, die von den beiden Darstellern furchtlos umgesetzt werden. Aber dank der feinfühligen Tonalität bewegt sich Lighton strahlend, gefühlvoll und humorvoll durch eine Subkultur; all das tritt hinter der zutiefst berührenden und entwaffnenden Coming-of-Age-Geschichte zurück, die im Mittelpunkt des Films steht.

Ein grandioses Debüt, das Thriller-Atmosphäre in ein reines Jungen-Wasserball-Sommercamp bringt. „The Plague“ wirft aktuelle Fragen zu Mobbing, aufkeimender Männlichkeit und Sportsgeist auf. Der brillant geschriebene Film nutzt gekonnt die typischen Elemente des Horrorgenres und beginnt als eine Art Konklave unter Teenagern (komplett mit einer rastlos verfolgenden Kamera und einer wippenden Filmmusik), um sich später in eine verstörende Untersuchung der existenziellen Ängste männlicher Adoleszenz zu verwandeln. Everett Blunck ist großartig als frisch gemobbter Junge, der von einer symbolischen und mysteriösen Seuche befallen ist, ebenso wie Joel Edgerton mit seiner begrenzten Leinwandpräsenz als Trainer der Jungen. Der eigentliche Knaller ist jedoch der Hauptquäler des Camps, gespielt von Kayo Martin, in einer Darstellung, die die Ankunft eines zukünftigen Filmstars ankündigt.

Bi Gans Nachfolger von „Eines langen Tages Reise in die Nacht“ ist der abenteuerlichste und formal anspruchsvollste Film des diesjährigen Wettbewerbs (und zugleich einer der schönsten der Sektion). Er fühlt sich an wie ein Traum. Und wie ein Traum lässt er sich nur schwer mit Worten beschreiben und erst recht nicht einordnen. Eine kapitelweise, aber dennoch fließende Erzählung nimmt uns mit auf eine spannende Reise durch die Geschichte des Kinos mit Anspielungen auf seine verschiedenen Stile, Epochen und Meister wie Méliès und Murnau, während sich der Film immer wieder aufs Neue spannend neu erfindet. Die Stars Jackson Yee und Shu Qi überraschen immer wieder, und der überwältigende Film, in dem „Auferstehung“ gipfelt, ist ein bewegendes Meisterwerk, das kommende Generationen inspirieren wird.

Sie werden dieses Jahr keinen besseren Politthriller sehen als Filhos ultra-schicken Genrebeitrag, der lose im Geiste eines Costa-Gavras-Films gehalten ist. Kurz nach dem im letzten Jahr mit einem Oscar ausgezeichneten brasilianischen Meisterwerk I’m Still Here ist dies ein weiterer Volltreffer, der vor dem traumatischen Hintergrund der Diktatur des Landes spielt. Wagner Moura, kürzlich in Civil War zu sehen, liefert bei seiner Rückkehr zum brasilianischen Kino eine zutiefst rätselhafte Darstellung als Techniker der 70er-Jahre, der in einer Kleinstadt wieder Kontakt zu seinem Sohn aufnehmen möchte, während ihm langsam Auftragsmörder auf die Fersen kommen. Mit einem agilen und allmählich düsterer werdenden Drehbuch, das die Spuren eines mysteriösen abgetrennten Beins inmitten der korrupten Enklaven der erschütternden Vergangenheit eines Landes verfolgt, wird „Der Geheimagent“ (nachdem er in Cannes bereits den Preis für die beste Regie und den besten Hauptdarsteller gewonnen hat) während der gesamten Preisverleihungssaison eine starke Rolle spielen. Bonus: Sie werden all die wohlkalibrierten Nadelstiche und nostalgischen Filmreferenzen, darunter auch in „Der weiße Hai“, lieben.

Sie haben wahrscheinlich gehört, dass die Sängerin Charli xcx die kommende Saison zum „Joachim Trier-Sommer“ erklärt hat, ein Ausspruch, den Elle Fanning mit dem stylishen T-Shirt, das sie in Cannes trug, verewigt hat. Nun, nennen wir diese Saison auch die „Joachim Trier Awards-Saison“, denn sein tief reflektierender Film über generationsübergreifende Traumata und familiäre Heilung durch Kunst und Kino wird kurz nach seinem beliebten Film „The Worst Person in the World“ für Furore sorgen. Im Wiedersehen mit seinem „Worst Person“ -Star Renate Reinsve – sie spielt eine fieberhafte, von der Vergangenheit heimgesuchte Schauspielerin – und Stellan Skarsgård, der in einer seiner karrierebestimmenden Rollen als leidenschaftsloser Filmregisseur an einem unkonventionellen persönlichen Projekt auftritt, erzählt Trier eine zu Herzen gehende und unerwartet humorvolle Geschichte, die Sie brechen wird, bevor sie Sie wieder ganz macht. Vielleicht entdecken Sie hier Spuren von Tschechow und Anklänge an die besten Eigenschaften der Oslo-Trilogie des Regisseurs und verlassen den Film mit einer neu entdeckten Dankbarkeit für alles, was das Kino leisten kann.

Die Zukunft des britischen Sozialrealismus im Kino sieht dank Harris Dickinsons Regiedebüt vielversprechender aus denn je. Er erzählt die zeitgenössische Geschichte eines Obdachlosen in London und seiner ausweglosen Lage. Dass „Urchin“ den britischen Klassikern gekonnt ähnelt, überrascht nicht im Geringsten, da der Film von einem begeisterten Cineasten gelenkt wird, der stolz ein Kes -Tattoo auf dem Arm trägt und Ken Loach und Mike Leigh offensichtlich in- und auswendig kennt. Dennoch ist „Urchin“ keineswegs eine exakte Kopie seines Vorgängers. Getragen von Frank Dillanes fulminanter Leistung und vertieft durch Dickinsons zutiefst humanistisches Schreiben, ist die durchdachte Vision des Schauspielers und Regisseurs durch und durch modern und seine eigene. Er ist vielleicht der aufregendste neue Autorenfilmer seit den Safdie-Brüdern.