« Des étoiles rouges au-dessus du terrain » : L’Est n’est pas un cliché – et Laura Laabs le prouve.

Ah oui, Till Lindemann y fait aussi une apparition. Ces deux minutes à peine où le chanteur de Rammstein apparaît en « roi des Aulnes » et cite la chanson « Dalai Lama » offrent à tous ceux qui veulent détourner l'attention de ce film une belle occasion de s'indigner et de ne pas aborder le véritable sujet : le film lui-même, son humour, son esthétique, le débat Est-Ouest qu'il soulève, et tout ce qu'il révèle sur l'Allemagne, et plus particulièrement sur l'Allemagne de l'Est.

Parce que « Red Stars Over the Field » est un film à la fois génial et hilarant ; on peut rire et pleurer, voire les deux à la fois. C'est un film intelligent, mais jamais difficile à appréhender. C'est un film personnel, mais malgré les financements et les droits télévisés, il est à l'opposé de ces sempiternelles histoires d'introspection de narcissistes conscients qui pullulent dans le cinéma allemand — ces films insipides, fruits d'un réalisme consensuel et monotone, dont les réalisateurs se croient incroyablement progressistes et courageux parce qu'ils portent à l'écran ce qui est inscrit dans les catalogues et les listes de diversité des financeurs.

Mouvement de recherche avec des moulins à vent et des hérissons de viande

Et voici maintenant ceci : un film qui débute par un acte anarchiste et qui conserve cette approche dans sa globalité. Dès les premières scènes, après un bref plan aérien de Berlin, ponctué de citations de Walter Benjamin, on voit un jeune activiste artistique hisser des drapeaux rouges sur le Reichstag – à l’instar de l’Armée rouge lors d’une reconstitution d’action de propagande.

Elle est désormais recherchée par l'Office de protection de la Constitution et devient le personnage principal du film : Tine. Elle se réfugie dans sa maison d'enfance, à Bad Kleinen, dans le Mecklembourg.

sites commémoratifs allemands

Dès les premières minutes, on découvre deux lieux de mémoire allemands importants. Cette ville a joué un rôle crucial dans l'histoire de l'État de droit en République fédérale d'Allemagne : en 1993, le terroriste de la RAF Volker Grams et un officier du GSG-9 ont été abattus à la gare. À ce jour, ces événements restent non élucidés.

Pour Laura Laabs, ce n'est qu'un des nombreux éléments constitutifs et épisodes d'un film qui change de perspective de manière kaléidoscopique, déclenchant une recherche absurde à travers l'histoire familiale et villageoise à travers son personnage principal, Tine, un voyage surréaliste et débridé à travers le temps, plein de références au présent, au futur et aux mythologies allemandes, qui mettent en lumière toutes sortes de choses : un corps des tourbières sans identité apparaît, de vieilles lettres – et accessoirement authentiques – de la Seconde Guerre mondiale, des souvenirs de la Stasi et de la RAF et des nombreuses injustices commises lors du démantèlement de la RDA.

mouvements de recherche allemands

Le mouvement exploratoire de Tine à travers le film rassemble tout ce qui est aussi diversifié que les intérêts et les talents de la réalisatrice, née en 1985 : Laura Laabs est écrivaine ; son premier roman, « Adlergestell », a été publié cet été et lui a déjà valu une invitation au prestigieux concours du prix Ingeborg Bachmann à Klagenfurt.

Outre ses études en sciences politiques, elle est également diplômée de l'Université de cinéma Konrad Wolf de Babelsberg, où elle a étudié sous la direction d'Andreas Kleinert. Elle a réalisé un documentaire primé (« Petits-enfants de l'histoire ») consacré à sa grand-mère, Sybille Boden-Gerstner, émigrée et fondatrice du magazine féminin est-allemand « Sybille ». Elle a également réalisé d'autres courts métrages et pièces radiophoniques et est cofondatrice du collectif féministe rOkS.

Son premier long métrage, « Red Stars Over the Field », récompensé par le prix Max Ophüls de la critique cinématographique à Sarrebruck, est irrévérencieux et ironique ; il ne se prend pas au sérieux, si ce n’est pour son leitmotiv. C’est l’histoire d’un paysage et d’une terre natale dont la réalisatrice se moque, mais qu’elle aime aussi, malgré ses éoliennes et ses hérissons en pain de viande.

Laura Laabs rapproche l'Orient de son public.

« Red Stars Over the Field » n’est pas un film sur l’Orient. Mais c’est un film qui parvient à l’expliquer avec une grande justesse. Et plus encore : Laura Laabs rapproche l’Orient de son public, l’ancrant dans un sentiment collectif. Et dans le collectif. C’est un film ouvert qui ouvre le spectateur à cette réalité.

Nous autres Allemands de l'Ouest continuons de considérer l'Est comme une entité extérieure : elle en fait partie d'une certaine manière, mais pas vraiment. Ce point de vue n'est peut-être pas totalement faux, mais il est irréfléchi et souvent empreint de mépris pour l'humanité.

L'ironie et la chaleur de Laabs

Laabs réagit avec un mélange inhabituel d'ironie et de chaleur. Et de cohérence. Car Laabs est sérieuse ; elle veut aller au fond des choses dans ce film. C'est pourquoi elle parle des bouleversements et des injustices flagrantes qui ont suivi la réunification, et du profond malaise qui persiste encore aujourd'hui chez certains.

Ce film et sa couverture médiatique font aisément écho au débat actuel sur les relations entre l'Allemagne de l'Est et l'Allemagne de l'Ouest, débat particulièrement lié à la figure de Dirk Oschmann. Laabs, elle aussi, dresse le portrait d'une société à la croisée des chemins. Parallèlement, son film demeure une œuvre empreinte d'ambivalence et d'ouverture.

C’est pourquoi Laabs se rapproche de ses personnages ; elle ne trahit ni le nazi du village, ni l’ancien maire de la Stasi, ni le militant de gauche coincé, ni même l’homme du Bureau de la protection de la Constitution.

L'épisode le plus émouvant se déroule après la chute du mur de Berlin.

L'épisode le plus poignant du film se déroule entre 1990 et 1993 : l'héritage de la RDA comprend également les coopératives agricoles. Si les coopératives sont autorisées, les coopératives agricoles sont une véritable épine dans le pied des nouveaux dirigeants.

Le président de la coopérative agricole locale refuse de participer au démantèlement et organise la résistance. Pourquoi devraient-ils abandonner leurs propres champs de tomates pour acheter des tomates néerlandaises dans le nouveau supermarché ouest-allemand ?

Pourtant, les choses tournent mal. Ces membres de la coopérative sont naïfs et confiants, mais ils sont aussi inébranlables et partagent bien plus les idéaux du mouvement citoyen que les individus sans scrupules venus de l'Ouest qui en profitent et l'exploitent.

De telles scènes ont appris à l'auteur de ce texte, un Allemand de l'Ouest, plus de choses sur l'Est que trente ans de films d'Andreas Dresen.

Le travail d'intensification

Certains médias, principalement en Allemagne de l'Ouest, ignorent ou occultent ces impressions. Le débat Lindemann, que les groupes progressistes berlinois et les médias qui leur sont affiliés tentent aujourd'hui de relancer, sert précisément à occulter ces impressions.

Il est intéressant de constater avec quelle facilité certains médias occidentaux instrumentalisent leur propre sentiment d'être dépassés pour critiquer le film : Der Spiegel se dit « épuisé », le Tagesspiegel soupire « Pfff ». Nous vivons une époque anti-intellectuelle, mais avaient-ils réagi de la même manière à Alexander Kluge à l'époque ?

Surtout, quand on est épuisé ou qu'on se sent en droit d'être indigné, on ne devrait pas écrire sur les drapeaux rouges du Reichstag.

Mais vous devriez le voir. Car « Étoiles rouges sur le champ de bataille » est, avant tout, un exemple éloquent de la notion de « métapolitique » d’Antonio Gramsci, c’est-à-dire la formation du discours politique par la culture. Ici, l’Orient est dépeint différemment, d’une manière inédite et peut-être plus percutante qu’au cinéma jusqu’à présent. Ici, l’Orient est coloré, sauvage et surprenant, et non gris, terne et nostalgique.

Ce film est empreint de nostalgie et un brin utopique ; il est en même temps fragmentaire, ce qui, d'une certaine manière, relève d'une pensée originale, allusive et pourtant presque innocente.

L'art est là pour poser des questions.

Ceci ne mentionne même pas la fin, qui nécessiterait un texte séparé, et dont l'entreprise paradoxale – donner au style fragmentaire et essayistique une forme holistique en tant que méthode de narration réflexive – est louable.

On pourrait déployer tous les efforts possibles pour l'analyser, évoquer les films de montage d'Alexander Kluge et de Jean-Luc Godard, sans oublier de mentionner les allusions à « Twin Peaks » de David Lynch et au « Ruban blanc » de Haneke. Il faut également saluer le sens du possible de Robert Musil.

S'il y a un point commun à ces films à grand spectacle, c'est bien la narration fragmentaire et épisodique, la rupture de l'épopée – l'effet de distanciation cher à Brecht. Parallèlement, de telles comparaisons constituent un défi tant pour le réalisateur que pour le spectateur, car on ne va pas au cinéma pour parfaire ses études ; on peut vouloir apprendre, certes, mais surtout, on veut vivre une expérience.

L'art est là pour poser des questions, non pour apporter des réponses. Il doit affiner les interrogations existantes et mettre en lumière les contradictions. L'art est un travail d'intensification.

Ce film enchanteur, qui compte parmi les plus beaux de l'année cinématographique, y parvient avec une facilité déconcertante.