La Tate Modern, la cathédrale (ouverte aux chauffeurs de taxi) de l'art contemporain, fête ses 25 ans.

Maman , une redoutable araignée en bronze de 9 mètres de haut avec un sac à œufs en marbre, a envahi la salle des turbines de l' ancienne centrale électrique de Bankside . La sculpture de Louise Bourgeois était véritablement imposante, et les premiers à la voir, avant même la presse ou les critiques d'art, furent les chauffeurs de taxi des légendaires taxis noirs de Londres. Le bouche à oreille a toujours été la meilleure campagne de marketing, il était donc essentiel que les personnes transportant les gens à travers la ville sachent où se déroulait cette expérience , qui s'ouvrait au sud de la Tamise.

Beaucoup ont eu des doutes lorsque l’idée d’ouvrir un musée d’art moderne dans le quartier londonien de Southwark a été proposée. Ce n'était pas vraiment le plus populaire en 2000. Et les Britanniques n'avaient pas non plus un penchant particulier pour ce type de travail.

Lorsque le Musée d’art moderne (MoMA) a ouvert ses portes dans une maison de ville de Manhattan en 1929, il s’est heurté à l’incompréhension d’un public encore mal à l’aise avec l’abstrait. Lorsque le Centre Georges Pompidou a ouvert ses portes à Paris en 1977, les philosophes ont dénoncé le musée multidisciplinaire comme un centre commercial. Mais avec la Tate Modern de Londres, un bâtiment en briques plus grand que les deux précédents, le succès fut immédiat.

S'élevant de manière imposante sur une partie autrefois oubliée de la rive sud, la tour de 99 mètres de l'ancienne centrale électrique a envoyé un message de régénération et de possibilités au reste du monde. Et le monde a répondu. Les prévisions tablaient sur deux millions de visiteurs dès la première année ; mais cinq millions de personnes sont venues.

Les prévisions tablaient sur deux millions de visiteurs à la Tate Modern dès sa première année ; cinq personnes ont assisté

La Tate Modern a désormais 25 ans, transformée en « cathédrale de l'art contemporain ». Plutôt que d’imiter ses concurrents, il a réécrit les règles et établi la norme pour les musées du XXIe siècle . Son succès a été, dès le début, non seulement un succès pour l’histoire britannique, mais aussi pour le monde de l’art dans son ensemble. Quatre de ses cinq directeurs sont étrangers.

Le 25e anniversaire ne se résume cependant pas qu’à du champagne et des superproductions. Comme pour la plupart des institutions culturelles, le Brexit , la pandémie et la crise du financement ont fait des ravages. Alors que le British Museum et le Natural History Museum se sont remis de la pandémie, ce n’est pas le cas de la Tate Modern. En 2024, un million de personnes de moins sont entrées dans la galerie par rapport à l’ère pré-COVID. La crise a contraint le groupe Tate à réduire ses effectifs de 7 % pour réduire ses coûts , cinq ans seulement après avoir proposé 167 départs volontaires.

Certains critiques, comme Lara Brown du Spectator , estiment que les commissaires vivent désormais dans la terreur de toute critique publique. Il a fallu trois ans à la galerie pour se décider à exposer Philip Guston Now, craignant que certaines œuvres de l'artiste ne soient offensantes. L'œuvre de Guston, dont une grande partie est consacrée au Ku Klux Klan , propose une critique du racisme, de l'antisémitisme et du fascisme. Mais à la Tate, où le personnel craint que les visiteurs ne soient offensés par une représentation même négative de la suprématie blanche, il a été décidé de reporter l'exposition « jusqu'à ce que nous considérions que le puissant message de justice sociale et raciale, au cœur de l'œuvre de Philip Guston, puisse être interprété plus clairement », précise-t-il.

Cependant, Jason Farago du New York Times souligne que « la Tate Modern est le musée du siècle, que cela nous plaise ou non ». « Son héritage s'étend bien au-delà de la South Bank, dans la structure profonde de l'industrie, où il a transformé, pour le meilleur ou pour le pire, les attentes du public dans les musées du monde entier », déclare l'expert.

L'histoire de la Tate Modern est liée à un nom : Nicholas Serota , nommé en 2014 par le prestigieux magazine Art Review comme « l’homme le plus puissant du monde de l’art ». Il a dirigé le groupe Tate de 1988 à 2016. Ce n'est rien.

Lorsqu’il a pris les rênes du pays, Robert Mugabe venait tout juste d’être élu président du Zimbabwe, Margaret Thatcher était dans la fleur de l’âge et les États-Unis étaient encore sous l’ère Reagan .

La Tate Gallery néoclassique de Pimlico était devenue trop petite en raison d'une étrange double fonction : elle abritait la collection nationale d'art britannique du XVIe siècle à nos jours, comprenant un immense héritage de peintures et d'aquarelles de JMW Turner , mais aussi une collection minable de ce qu'on appelle « l'art étranger moderne », qui reflétait largement le vieux goût britannique pour l'étude de la nature et du paysage.

La solution de Serota a été de diviser le projet. L'ancien siège de la Tate Gallery abriterait l'art britannique (rebaptisé Tate Britain), tandis que la collection internationale aurait un nouveau domicile. Le cabinet d'architectes suisse Herzog & de Meuron a remporté un concours de conception pour transformer la centrale électrique de Bankside. Juste de l'autre côté de la rivière se trouve la cathédrale Saint-Paul. Le Millennium Bridge, conçu par Norman Foster , reliait l'ancien au nouveau.

Serota a imaginé plusieurs solutions qui feraient de la Tate Modern, pendant un temps, la principale attraction touristique du pays , mais qui remettraient également en question certaines des fonctions fondamentales des musées du passé, y compris, à la stupéfaction de nombreux critiques, le remplacement de l'organisation chronologique par une organisation thématique.

Une deuxième mesure consistait à ignorer le modernisme en Europe occidentale et aux États-Unis et à rechercher une valeur démesurée dans les « marchés émergents ». La galerie a annoncé ses ambitions en 2001 avec « Century City », sa première grande exposition de prêt , qui présentait l’histoire de l’art du XXe siècle comme un grand tour d’horizon décennie par décennie, avec des arrêts à Paris, Moscou et New York, mais aussi à Bombay, Rio de Janeiro, Lagos et, au final, à Londres dans les années 1990.

En effet, Cool Britannia et les jeunes artistes britanniques des années 90 ont joué un rôle clé. En fait, même si personne ne nie les réalisations de Serota, des critiques d’art renommés tels que Waldemar Januszczak soutiennent que la révolution a été principalement motivée par des « événements hors scène ». Notamment l'arrivée de Charles Saatchi , l'homme en charge de la campagne publicitaire qui a fait de Margaret Thatcher la Dame de fer.

L'ouverture de sa galerie privée à St. John's Wood en 1985 représentait un véritable défi tant pour le groupe Tate que pour l'attitude dominante de l'époque. « En misant sur de jeunes talents comme Damien Hirst ou les frères Chapman , Saatchi a fait quelque chose que la Tate n'avait jamais fait : avoir une foi aveugle dans la nouveauté », explique Januszczak dans un article du Sunday Times .

Il affirme que lorsque Hirst et ses requins dans le formaldéhyde ont commencé leur voyage des dernières pages du journal aux premières pages, ils l'ont fait en opposition à tout ce que la Tate représentait à l'époque. En 1997, l’exposition Sensation de Saatchi marque un tournant. « L’ouverture de la Tate Modern en 2000 a été la cerise sur le gâteau , mais cela n’avait rien à voir avec la cuisine », explique l’expert.

Quoi qu'il en soit, la relation artistique entre Serota et Saatchi s'est terminée par un divorce . Alors que Saatchi était banni dans un crépuscule angoissé, son ennemi est devenu le roi de la prise de décision et de la gestion de l’art contemporain.

Au fil des ans, le plus grand succès de la Tate Modern a été le Turbine Hall , qui, après le lustre de Bourgeois, a donné lieu à la commande annuelle d'une nouvelle œuvre d'art géante. L'immense membrane en PVC rouge tendue entre trois anneaux d'acier Anish Kapoor ; le coucher de soleil intérieur grandeur nature avec un plafond en miroir par Olafur Eliasson ; Crack de Doris Salcedo - qui a littéralement brisé le sol de la galerie - ; Les 100 millions de « graines de tournesol » en porcelaine peintes à la main d’ Ai Weiwei comptent parmi les créations les plus emblématiques.

En 2016, la Tate Modern a ouvert une nouvelle extension ajoutant 20 700 mètres carrés, soit une augmentation de 60 % de l'espace. La structure de 65 mètres compte 10 étages, dont le sommet dispose d'un balcon offrant une vue impressionnante à 365 degrés, ce qui a donné lieu à plus d' une bataille juridique avec les résidents des bâtiments adjacents, qui estiment que leur vie privée a été violée.

Avec cette extension, la Tate devient le premier musée au monde à disposer d' un espace entièrement dédié à la performance . En 2016, six adultes ont imité des sculptures de chair et de sang qui marchaient lentement tout en émettant un murmure semblable à celui des moines lorsqu'ils méditent. Art? À la Tate, oui.

Au cours de son premier quart de siècle, la Tate Modern est devenue un élément incontournable de l'establishment sans pour autant perdre son attrait.

Depuis son premier événement, organisé pour les chauffeurs de taxi londoniens, le manifeste de la galerie est de rendre l'art accessible à tous. Les enfants dessinent sur le sol, les étudiants s'amusent, les familles font des pique-niques. Elle a également cherché à élargir son catalogue, en ajoutant davantage d'artistes et de femmes internationales à sa collection, parallèlement à des expositions majeures de Frida Kahlo , Georgia O'Keeffe et Yayoi Kusama , cette dernière devant battre des records de fréquentation en 2023. Une rétrospective de Tracey Emin – l'une de cette génération de jeunes artistes britanniques des années 90 – est prévue pour l'année prochaine.

Comparé à la National Gallery , qui a fêté son 200e anniversaire l'année dernière, la Tate Modern est un très jeune extra . Il est vrai que, durant le premier quart de ce siècle, il est devenu partie intégrante de l’ establishment sans perdre son attrait, ce qui est difficile à maintenir. Mais la tâche de l’art moderne est d’évoluer et de remettre en question le statu quo. Et c’est là que réside le défi de sa continuité.