Les créatifs qui façonnent la culture en 2025

En 2025, voici les voix incontournables qui façonnent la culture et les arts de la scène. Leur talent est celui de légendes ; ce sont de véritables connaisseurs de leur art. Ces neuf visionnaires ont sorti des albums récompensés aux Grammy Awards ; se sont produits dans presque toutes les grandes salles de concert et devant des salles combles ; ont remporté des nominations aux Tony Awards, battu des records ; ont remporté des titres prestigieux ; et sont devenus les premiers à briser les barrières dans leurs domaines respectifs. Ils comptent des milliers d'abonnés, font le buzz, perfectionnent leur art avec des collaborateurs de rêve et, ce faisant, tracent de nouvelles voies pour eux-mêmes, pour leur art et pour le monde.

Lisez la suite pour en savoir plus sur leurs voyages, leurs inspirations, leurs rituels et les performances qu'ils n'oublieront jamais.

Julia Bullock n'a pas peur de suivre sa propre voie. La star de l'opéra, qui a récemment remporté le Grammy Award du meilleur album vocal classique solo pour son EP « Walking in the Dark », a emprunté un chemin atypique pour atteindre les sommets du monde lyrique. Elle a grandi à Saint-Louis, dans le Missouri, et souhaitait initialement se consacrer au théâtre musical. Mais elle a découvert la musique classique grâce à son père, qui lui a fait écouter ses DVD et enregistrements d'opéra préférés, et a inspiré sa carrière. Bullock a fait ses débuts au Metropolitan Opera dans El Niño en 2024, et le public attend avec impatience son retour au Met dans la prochaine production d' Antoine et Cléopâtre.

Sur une performance qu'elle n'oubliera jamais

Mes débuts au Carnegie Hall, dans l'auditorium Stern. J'ai ressenti l'héritage de tous les spectacles et artistes qui m'y avaient précédé ; l'histoire était palpable. C'est un lieu qui m'a encouragée à chanter. Je portais une robe en lamé doré ornée de magnifiques feuilles. Je me sentais à ma place dans cet espace.

À propos de sa relation avec la célèbre chanteuse d'opéra Renée Fleming

Renée a été une véritable source d'inspiration, tant par son écoute que par son observation, mais aussi par mes conversations personnelles avec elle. Ces échanges comptent parmi les plus importants de ma vie, tant sur le plan personnel que professionnel.

Sur ses influences

Je suis très attiré par les chanteurs soul, c'est-à-dire tous ceux qui ont su interpréter avec brio leurs compositions. Ils ont été une grande source d'inspiration. Ils savent transmettre leurs textes ; ils comprennent aussi le message des morceaux qu'ils interprètent ; ils n'hésitent pas à les exprimer. M'entraîner au bel canto [style vocal], c'est l'un de mes plaisirs. Non seulement cela libère mon corps sur le moment, mais cela me permet aussi de me maintenir et de continuer à m'épanouir. Je construis ma vie dans la musique, pas seulement en visant une performance exceptionnelle.

À 37 ans, Khatia Buniatishvili est déjà l'une des pianistes les plus vénérées au monde, s'étant produite dans presque toutes les grandes salles de concert du monde. Née à Batoumi, en Géorgie, et élevée dans la capitale, Tbilissi, Buniatishvili affirme que la musique a été un moyen de survie pour elle et sa famille pendant les deux guerres qu'elle a traversées. Elle a donné son premier concert avec l'Orchestre de chambre de Tbilissi à l'âge de 6 ans seulement ; elle a ensuite étudié à Vienne, avant de s'imposer sur la scène internationale. Aujourd'hui ambassadrice de Cartier, Buniatishvili a collaboré avec des artistes comme Coldplay. Elle a récemment sorti un album intitulé Mozart et devrait revenir au Carnegie Hall en avril prochain pour un concert solo.

Sur la façon dont elle imprègne ses performances d'émotion

Sur scène, l'important est de donner tout ce que l'on a à ce moment précis. Je dis toujours que sur scène, c'est comme être à nu émotionnellement, car on ne peut pas se cacher derrière la musique. La musique réveille toutes les émotions et tous les sentiments. Je dis que chaque concert est comme mon dernier concert, car je veux le vivre pleinement.

Sur l'influence versus l'inspiration

L'influence est différente de l'inspiration. J'ai de nombreuses sources d'inspiration, mais j'essaie vraiment d'éviter les influences, car je pense que l'art est une question d'individualisme. Il faut avoir sa propre lecture, mais subir une influence revient à voler quelqu'un.

Sur son rituel d'avant-spectacle

J'aime faire une sieste. Il faut avoir le cerveau en pleine forme, et quand on manque de sommeil, il faut se concentrer davantage. De plus, avant de monter sur scène, si j'ai des gens que j'aime autour de moi, je les serre dans mes bras. Sinon, la dernière chose que je fais, c'est de me regarder dans le miroir et de penser à ce que je vais voir. Je vois dans mes yeux que c'est mon identité et cela me rappelle de garder les pieds sur terre. J'aime bien la réaction enthousiaste du public, mais ce n'est pas le plus important. Ce qui compte, c'est d'où l'on vient, qui l'on est. La connexion avec l'enfant intérieur que l'on peut lire dans ses yeux, ça aide à se recentrer.

En tant que directrice artistique de la série de concerts Encores! du New York City Center, Lear deBessonet a dirigé plusieurs productions qui ont été présentées à Broadway. C'est le rêve de quelqu'un comme elle, et elle espère poursuivre son ascension en rejoignant le Lincoln Center Theater pour occuper le même poste. Première femme à diriger la programmation dans l'histoire du centre des arts de la scène, elle succède à André Bishop, qui dirigeait l'organisation depuis 1992. DeBessonet est également la fondatrice de Public Works au Public Theater, où elle a été directrice résidente de 2012 à 2020. Elle s'apprête à entamer son mandat avec le transfert à Broadway de sa production Encores! de Ragtime , saluée par la critique. « J'ai eu la chance de voir la production originale de Ragtime », dit-elle. « C'était l'un des premiers spectacles que j'ai vus à Broadway et cela a redéfini ma vision du théâtre. »

Sur la façon dont sa ville natale, Baton Rouge, a influencé son art

Je n'ai pas grandi avec une grande exposition au théâtre professionnel, mais d'une certaine manière, la culture elle-même – la vie elle-même – était très théâtrale [à Baton Rouge], entre Mardi Gras, les matchs de football et l'église. C'était comme la couleur, la musique, le spectacle. Le rapprochement intergénérationnel qui se crée autour de l'art là-bas, et qui se produit à Mardi Gras, a été extrêmement formateur pour moi. C'est au cœur de mon essence théâtrale : la foi en la musique, la couleur, l'histoire et la communauté.

Sur son inspiration

Dans le monde du théâtre, je citerais des artistes comme Hal Prince [metteur en scène et compositeur] et Bartlett Sher [directeur et producteur exécutif du Lincoln Center Theater], avec qui je travaille actuellement, mais aussi des influences plus internationales comme le travail international de Peter Brook [réalisateur et cinéaste]. J'ai aussi beaucoup d'influences extérieures au théâtre. Je suis un fervent adepte des cérémonies d'ouverture des Jeux olympiques et je serais ravi d'analyser tout ce qui s'y est passé. Je suis très intéressé par les défilés et les moments conviviaux où la communauté se rassemble autour d'une narration.

Dans l'une de ses émissions qui l'a marquée

J'ai réalisé une nouvelle adaptation musicale de La Tempête au Public. C'était mon premier spectacle Public Works, et nous avions 200 personnes sur scène, ainsi que cinq acteurs de Broadway, dont Norm Lewis et Laura Benanti. Nous avions aussi des batteurs, une chorale gospel, une fanfare, et nous avons mis toute cette richesse artistique au service d'une histoire. Ce fut pour moi un moment déterminant, car c'était comme un rêve exotique devenu réalité. Tant de gens m'avaient dit que c'était impossible.

Issac Hernández est le premier danseur étoile mexicain de l'American Ballet Theatre (ABT). Il a grandi à Guadalajara, au sein d'une famille de 11 enfants, et a appris le métier auprès de son père, lui aussi danseur. À 12 ans, il est parti à Philadelphie grâce à une bourse de danse, avant de s'installer à New York et de participer aux stages d'été de l'ABT. Il a ensuite dansé avec le San Francisco Ballet, entre autres, et a reçu le prestigieux Prix Benois de la Danse en 2018. Depuis 12 ans, il produit un spectacle de danse à l'Auditorium national de Mexico, réunissant des danseurs du monde entier devant 10 000 spectateurs. « J'ai toujours voulu revenir au Mexique et apporter ma contribution à la scène chorégraphique locale », explique-t-il. « Je voulais faire découvrir les ballades à un public différent et conquérir de nouveaux fans au Mexique. » Il devrait également jouer dans le film Dreams , avec Jessica Chastain, cet automne.

Sur ses influences

Mon père était mon professeur de ballet, j'ai donc hérité de lui ma passion. En grandissant, nous discutions de sujets complexes et je me suis passionné pour la politique, l'histoire et les personnages qui ont accompli des choses extraordinaires. Comme Einstein et Chaplin, et tous ces gens extraordinaires qui avaient une vision et travaillaient avec très peu pour faire de leur vie quelque chose d'extraordinaire.

Pourquoi le ballet trouve un écho auprès des gens

La danse est un élément essentiel des relations humaines. C'est un langage universel qui nous unit. Il est rare de prendre le temps de voir la beauté prendre vie sous nos yeux et de partager cette expérience en communauté.

Sur sa salle de spectacle préférée

L'Auditorium national de Mexico est une expérience incroyable, car c'est une salle de 10 000 places. C'est une expérience que je n'ai jamais vécue ailleurs au monde. Et grâce au public, des gens qui suivent ma carrière depuis l'âge de 8 ans. J'ai un réel impact sur la communauté mexicaine, donc c'est toujours un moment privilégié. J'y suis avec ma famille et j'organise une soirée et une expérience pour 10 000 personnes. Quand tout fonctionne, c'est passionnant ; je n'ai jamais rien vécu de tel.

Joana Mallwitz a débuté jeune. La cheffe d'orchestre a commencé le piano à trois ans et le violon à cinq ans. Enfant, à Hildesheim, en Allemagne, elle jouait de la musique avec ses amis, mais ce n'est qu'à 13 ans, lors de ses études au conservatoire de Hanovre, qu'elle a découvert sa passion pour la musique symphonique et l'opéra. Aujourd'hui, Mallwitz est cheffe d'orchestre principale et directrice artistique du Konzerthausorchester Berlin, première femme à diriger l'un des plus grands orchestres de Berlin. Elle effectue également des tournées mondiales et dirige actuellement Les Noces de Figaro de Mozart au Metropolitan Opera House.

Pourquoi les jeunes devraient aller à l'opéra

Allez-y une fois. Quand on va à l'opéra ou à un concert symphonique pour la première fois, il arrive que la magie opère : on est touché en plein cœur par les notes. On revient toujours, car on ne peut pas vraiment expliquer ce qui se passe là. C'est une expérience très émotionnelle et physique. Quand les percussions et les cordes entrent en action, on ressent de magnifiques vagues sonores dans toute la salle. Elles vous traversent. Les chanteurs d'opéra ont des voix qui remplissent d'immenses salles. C'est aussi une expérience que l'on vit avec beaucoup de gens. Tous, quel que soit leur âge et leur milieu, vivent ensemble cette expérience intense. C'est quelque chose que je ne retrouve nulle part ailleurs.

Sur sa plus grande influence

Leonard Bernstein. Je ne l'ai jamais rencontré, mais c'est un musicien. Il est tellement passionné de musique, et tout ce qu'il fait semble si naturel, mais je vois que ce n'est pas seulement de l'instinct. Bien sûr, il a beaucoup étudié, mais cela passe par sa tête, son cœur et son corps. Ensuite, il libère la musique. Il a cette merveilleuse façon de communiquer avec les gens, qu'il s'agisse d'enfants ou de personnes présentes, il transmet son enthousiasme à chacun.

Dans la meilleure salle où elle ait jamais dirigé

Le Metropolitan Opera House est vraiment incroyable, car il est immense et glamour, mais en coulisses, il règne une atmosphère familiale. Tout le monde travaille en étroite collaboration et prend soin les uns des autres. Je dois aussi mentionner le Konzerthausorchester Berlin : c'est mon foyer artistique, et je l'adore. J'y suis avec mon orchestre et c'est un endroit tout simplement magique pour moi. Mon concert d'ouverture là-bas en 2023 a été comme un Noël. Nous avons eu trois jours de répétitions, puis nous avons dû montrer au monde entier ce que nous faisions et où nous allions. La salle entière vibrait d'une énergie explosive et d'une curiosité débordante. À la fin, tout le monde était debout, et l'énergie était incroyable. Je garderai cela gravé à jamais dans mon cœur.

Chloe Misseldine n'aurait jamais imaginé être promue danseuse étoile sur scène. Cela ne s'était jamais produit dans l'histoire de l'ABT. Puis, lors des saluts après une représentation inoubliable du Lac des Cygnes, le 3 juillet 2024, c'est arrivé : elle est devenue virale sur TikTok, son émotion étant palpable. Pour Misseldine, qui reprendra son rôle dans le Lac des Cygnes cet été, le ballet est une affaire de famille. Sa mère était soliste à l'ABT et elle lui a appris à danser dans son studio d'Orlando, en Floride. Enfant, elle enfilait les pointes de sa mère et trépignait dans la maison ; aujourd'hui, elle suit littéralement les traces de sa mère.

Pourquoi le ballet peut parler à une jeune génération

Le ballet est une forme d'art magnifique, qui évolue chaque jour. La danse est une autre façon d'exprimer ses émotions. Si des jeunes venaient au ballet, je pense que cela les toucherait d'une manière inattendue. Je suis danseuse professionnelle, mais je continue à aller au ballet, que ce soit dans ma compagnie ou dans d'autres, pour observer mes collègues. Cela peut vraiment vous toucher de différentes manières sans qu'on s'en rende compte, et c'est une véritable source d'inspiration pour moi.

Sur son inspiration

Ma mère est ma plus grande inspiration. Elle a été mon roc et mon guide tout au long de ma carrière. C'est aussi ma meilleure amie. Je peux lui parler de tout. Elle est originaire de Shanghai et a déménagé aux États-Unis quand elle était jeune adulte. Elle ne parlait pas anglais et voir comment elle a traversé la vie est une véritable source d'inspiration pour moi.

Sur ses influences

Natasha Makarova est une ballerine russe qui a déserté et rejoint l'ABT. Elle est incroyable ; c'est l'une de mes plus grandes inspirations. Tout comme Gelsey Kirkland, qui a également travaillé chez ABT. Son éthique de travail et son dévouement sont incroyables.

Durant son enfance, Justin Peck, double lauréat d'un Tony Award et chorégraphe résident du New York City Ballet, venait chaque été de San Diego à New York avec son père pour assister à des spectacles. Ces voyages ont nourri sa passion pour ce métier, le poussant finalement à ouvrir un atelier à New York pour se consacrer pleinement à la danse. Son travail avec le NYC Ballet a été salué par la critique. Il a également remporté un Tony Award pour sa chorégraphie dans la reprise de Carousel en 2018 et pour Illinoise , une comédie musicale de Broadway inspirée de l'album éponyme de Sufjan Stevens. Aujourd'hui, Peck est en lice pour un Tony Award pour la troisième fois, grâce à une nomination, avec Patricia Delgado, pour sa chorégraphie dans Buena Vista Social Club.

Sur le travail dont il est le plus fier

J'écoutais une interview sur le type d'œuvre qui définit l'essence de l'être, et je dirais Illinoise . C'est un hommage à toutes mes influences et inspirations depuis mon plus jeune âge. Il est très question de communauté, un thème récurrent dans mon travail. J'ai toujours eu du mal à trouver mon propre sens de la communauté, donc créer un spectacle ou une danse me semble un moyen concret d'y accéder. Cela rassemble non seulement les acteurs et l'équipe créative, mais aussi le public. Je suis à la fois fier de mon travail et déconcerté par la façon dont il est devenu ce qu'il est.

Pourquoi la danse est importante

La danse est une expression du subconscient qui puise dans un domaine moins cognitif. La composition chorégraphique est riche en logique, mais l'émotion qui la traverse est plus profonde. Elle ne peut être exprimée par des mots. Certains éléments expriment un sentiment de connexion, de lien, de communauté et de beauté. C'est une de ces formes d'art rares et uniques, difficiles à comprendre, mais lorsqu'elle est bien maîtrisée, c'est l'une des expériences les plus profondes qui soient.

Sur un morceau de musique qu'il aime et qui surprendrait les gens

« Pink Pony Club » de Chappell Roan. J'adore tout cet album. C'est le genre d'album où je me dis : « Putain, c'est vraiment génial. »

Hayato Sumino ne s'attendait pas à ce que les gens de son âge tombent amoureux de la musique classique, mais sa chaîne YouTube lui a prouvé le contraire. Né et élevé au Japon, la star de 29 ans, qui compte près de 1,5 million d'abonnés sur YouTube, a d'abord étudié l'informatique à l'université. Pendant son temps libre, il jouait du piano, puis, pendant la pandémie de COVID-19, il a commencé à publier des vidéos sur YouTube. Sumino est désormais connu pour intégrer l'improvisation jazz à ses concerts classiques et fera ses débuts au Carnegie Hall cet automne, où il interprétera Chopin, Kapustin et quelques-unes de ses œuvres originales.

À propos de ses débuts prochains au Carnegie Hall

J'ai déménagé à New York il y a deux ans. À l'époque, je n'avais aucun engagement aux États-Unis ; je voulais simplement m'installer à New York pour poursuivre ma carrière à l'étranger. Bien sûr, donner un concert au Carnegie Hall était l'un de mes plus grands objectifs. Je ne m'attendais pas à ce que cela arrive si tôt, mais je suis tellement heureuse.

Sur ses rituels d'avant-spectacle

J'essaie de ne pas avoir de rituels, car parfois je ne peux pas faire quelque chose. Je m'entraîne autant que possible, je me réchauffe les mains et je prends des pastilles contre la toux.

Sur sa chaîne YouTube

Je n'aurais jamais cru que ma chaîne deviendrait populaire. Je l'ai lancée pour le plaisir, quand j'étais à l'école. Ma première vidéo n'était même pas une performance de piano ; je jouais à des jeux vidéo. C'était complètement aléatoire, mais elle a pris de l'ampleur, surtout pendant la COVID, car mes concerts ont été annulés ou reportés, et nous avons tous dû rester à la maison. J'ai décidé de me concentrer sur la création de contenu YouTube pendant cette période. C'était plutôt amusant. Je pouvais faire ce que je voulais, reprendre n'importe quel morceau. À un moment donné, j'ai aussi commencé à publier de la musique classique. Au début, je ne m'attendais pas à ce qu'elle soit vue autant, car elle est très limitée, mais elle a fini par attirer beaucoup d'attention.

Kara Young détient le record du plus grand nombre de nominations consécutives aux Tony Awards pour une artiste noire. Sa première nomination remonte à 2022 pour « Clyde » , suivie d'une nomination pour « The Cost of Living » ( 2022). Elle a ensuite été récompensée pour son rôle dans la reprise de « Purlie Victorious » (2023). Cette année, elle est à nouveau en lice pour le prix, cette fois pour son rôle d'Aziza dans Purpose de Branden Jacobs-Jenkins. Young attribue son travail à Harlem, où elle est née et a grandi. C'est dans ce quartier qu'elle a découvert sa passion pour les arts de la scène, en suivant des activités extrascolaires de danse et de théâtre pendant ses études. Elle s'est inscrite à l'université, mais après une performance d'improvisation entraînante qui a laissé le public en larmes, elle a abandonné ses études et s'est consacrée à son rêve d'actrice à plein temps. Aujourd'hui, elle est inscrite dans l'histoire des Tony Awards.

À propos de sa participation au Met Gala cette année

C'était un moment emblématique de l'histoire et de la mode noires – un hommage à tant d'autres avant nous et aux géants sur lesquels nous nous appuyons. Étant né et ayant grandi à Harlem, l'exposition [ « Superfine : Tailoring Black Style » ] m'a donné des frissons. J'aimerais y retourner trois, quatre ou cinq fois.

À propos de sa performance exceptionnelle

J'ai créé cette pièce en 2017, intitulée Syncing Ink . Elle a d'abord été créée à l'Alley Theater [à Houston], puis nous avons eu une production ultérieure au Flea Theater [à New York]. C'était un hommage au hip-hop et aux ancêtres, et c'était une de ces pièces qui n'étaient pas une pièce, mais une expérience. C'était un véritable défi, car je devais être totalement ouvert et malléable, car c'était très interactif avec le public. Finalement, des gens sont venus de partout pour voir cette pièce dans un théâtre de 99 places. C'était absolument fou.

Pourquoi le théâtre est important

Dans ce monde, les divisions raciales, sociales, sexuelles, etc. sont si fortes. On essaie de mettre les gens dans des cases. Le théâtre est l'un des rares endroits où l'on peut rencontrer des gens de tous horizons. Tous âges, toutes origines confondues, assis ensemble pendant trois heures pour écouter une pièce. Hier soir [à notre représentation de Purpose ], j'ai trouvé incroyable qu'Angela Bassett et Daniel Kaluuya soient assis dans la même salle, les plus grandes stars, avec des gens qui auraient pu payer un billet à 45 $ en primeur. Cela crée une telle unité de cœurs et nous rappelle que nous sommes tous humains. Dans Purpose , Brandon [Jacobs-Jenkins, le scénariste] nous en dit long. Il n'y a pas une seule chose dont on puisse sortir et dire : « Voilà de quoi il s'agit. » Il s'agit de tellement de choses, et que nous soyons tous ensemble, impliqués, c'est révolutionnaire en ce moment.