Glenda León: chi è l'artista cubana che ha riempito il cielo di Bogotà con le formule chimiche della felicità?

A Glenda León piace immaginare come a qualcuno sia venuta l'idea di realizzare un film che ama, di comporre una canzone che la commuove, di creare un oggetto che la stupisce o di scrivere un libro che non riesce a mettere giù. È entusiasta di vedere tutto attraverso gli occhi freschi della sua bambina interiore, per la quale ogni situazione, ogni cosa, ogni emozione è un'avventura da scoprire. Le piace giocare con la vita di tutti i giorni e ridere, perché la risata le sgorga facilmente dalla bocca quando parla.

Per quest'artista cubana, l'arte non deve necessariamente scaturire dalle profondità della disperazione o dal dolore. Per lei, l'ispirazione nasce dalla realizzazione e dalla felicità, dalla gioia e dalla calma, dal piacere e dal godimento. Così, ha esplorato il colore delle parole attraverso una vecchia macchina da scrivere i cui caratteri sono stati sostituiti da pastelli a cera, o la meraviglia che sarebbe un pianoforte apparentemente rotto, inutilizzabile per il suo scopo primario, ma da cui spuntano fiori gialli come note musicali.

Nel suo lavoro, León vuole che ogni oggetto, per quanto banale, venga visto per la prima volta, e che ogni spettatore che si imbatte in una delle sue installazioni abbia l'impressione che esistano altri modi di vedere. Ci riesce dislocando la vita quotidiana, ma lo fa anche incorporando musica, effetti sonori e dimensioni ritmiche in tutto ciò che fa artisticamente. Essendo cubana, crede di non poter vivere senza musica, poiché tra salsa, ritmi africani e rock, León ha fatto della canzone la patria in cui vorrebbe vivere per sempre.

Un altro tema che le attraversa costantemente la mente sono i farmaci terapeutici, che stanno acquisendo sempre più importanza nei trattamenti psicologici. Così, quando è stata invitata alla Biennale Internazionale d'Arte e Città, il cui tema centrale quest'anno è la felicità, sapeva di voler parlare di queste sostanze che le hanno permesso di scoprire se stessa attraverso la realizzazione e la gioia. Il risultato è Forbidden Sky, una serie di costellazioni molecolari in cui le formule chimiche sono sostituite da rappresentazioni cosmiche e le stelle, a loro volta, cedono il passo alle molecole. L'invito è a guardare la felicità, a lasciare che i propri occhi vedano non tabù, ma speranza, a lasciare che ognuno creda che un altro cielo possa essere il suo per caso.

Come è nato il tuo interesse per l'arte? Come hai capito che volevi intraprendere questa strada?

Non è stato un singolo momento o una rivelazione istantanea. Nel mio caso, ha a che fare con diverse cose: ero una ballerina di danza classica, ho studiato storia dell'arte all'università e ho iniziato molto presto in una scuola di pittura qui a Cuba. È stata una formazione molto accademica, dove a 12 anni si iniziava a pensare se si voleva diventare pittori o artisti visivi. Eravamo un gruppo molto piccolo di bambini che imparavano a dipingere, incidere o scolpire al mattino. È stata un'esperienza bellissima, in cui mi sono immersa fin da piccola in diverse espressioni artistiche, che includevano anche musica e danza. Da quell'esperienza, ho imparato a vedere il mondo con occhi diversi. E mi si è aperto un panorama con tre possibili percorsi: la scrittura, perché scrivevo anche, la danza e l'arte. Alla fine, ho scelto quest'ultima nel 1999.

Cosa ti ha spinto a dedicarti alle arti visive?

Dopo aver conseguito la laurea in Storia dell'Arte, aver scritto la mia tesi sulla performance e aver maturato esperienza come danzatrice, mi sono detta: "Forse è il momento di dedicarmi alla performance art". Ne ho fatte un paio e ho capito subito che non mi piaceva presentarmi fisicamente di fronte a un pubblico. Questo mi ha portata a scegliere le installazioni. Mi sembrava molto più spontaneo che essere di fronte a un pubblico, perché in quel caso mi sentivo come se stessi passando dall'essere un'artista al fare teatro: dovevo mettere in scena il mio stato mentale ed emotivo. Non mi piace affatto. Invece, con l'installazione, mi esprimo e ciò che creo assume una propria identità. In questo modo, sono gli oggetti a parlare, non io.

La stampa e la critica parlano molto della dimensione metaforica del tuo lavoro. Cos'è la metafora per te come artista e quanto è importante?

Il mio linguaggio sarà sempre la poesia perché è l'unico modo che conosco per esprimermi. È ciò che ci permette di elevare qualsiasi situazione repressiva, dolorosa, triste o claustrofobica a un livello superiore. La metafora, quindi, è ciò che può sollevarci dal dolore di quegli stati. Dico sempre: "Perché soffermarsi semplicemente su quelle emozioni che già conosciamo?". Non so se l'arte debba limitarsi alle cattive notizie, al doloroso ripensamento. Per questo, ci sono già la televisione, la stampa e internet. La metafora nel mio lavoro cerca di compiere quel salto dalla semplice disperazione alla poesia. Senza questo passo oltre, non vedrei alcun significato nel mio lavoro.

Le tue opere e installazioni sono strettamente legate ai suoni e alla musica. Che ruolo ha avuto il suono nella tua vita?

Fin da piccola, a casa mia si suonava la salsa, quasi la musica ufficiale qui. E anche se in un certo senso non ballo la salsa, la verità è che la ballo. Perché crescere con essa è quasi come imparare a camminare: ti circonda, è qualcosa che già conosci. Nessuno mi ha insegnato a ballarla, ma è un ritmo che porto dentro. Inoltre, come è noto, qui a Cuba c'è una forte eredità africana. Da lì nasce questa vocazione per il ritmo, per la musica, per il suono, per la batteria. In ogni regione cubana, questo è qualcosa che si sente. Anche i miei genitori ascoltavano musica elettroacustica, che ha allenato molto il mio orecchio e l'ha sensibilizzato. Mi piace molto anche il rock, in cui ho trovato una forma di espressione e di ribellione, perché sull'isola era decisamente una controcultura: significava andare contro la maggioranza. E anche se non è stato censurato mentre crescevo, lo è stato quasi, perché non era comune che qualcuno si identificasse come un rocker. Fino a poco tempo fa, era impossibile trovare un posto dove andare ad ascoltare musica rock. Per me la musica è uno stato mentale superiore. Il mio lavoro la incorpora perché è qualcosa che scaturisce da me quasi senza pensarci.

C'è anche il suo lavoro sulle sostanze psicoattive, che è proprio legato alla sua partecipazione alla Biennale di Bogotà...

Nel Parco dei Giornalisti abbiamo esposto sette formule molecolari tridimensionali di sette sostanze proibite ma utilizzate in molti paesi nell'ambito della cura psicologica. Questi usi spaziano dal superamento dei traumi all'aiuto ai tossicodipendenti. Sempre più paesi stanno adottando queste nuove opzioni terapeutiche perché stanno dimostrando risultati positivi. Questa, in realtà, non è una novità. Il potenziale di alcune droghe come l'LSD per migliorare la salute mentale di uomini e donne è noto fin dagli anni '60. E se parliamo di funghi, il loro utilizzo risale a molto prima. Per questo motivo, il mio lavoro si intitola "Cielo Proibito" ed è come una costellazione molecolare fluttuante che le persone possono osservare. L'idea mi è venuta dopo un'esperienza molto intensa che ho avuto con un fungo chiamato Psilocybe cubensis, scoperto a Cuba. È uno dei più utilizzati nelle cliniche specializzate per il suo alto contenuto di psilocibina, una sostanza benefica. Con questo fungo, ho sperimentato forme molto profonde di felicità e appagamento. Quindi, quando mi è stato detto che il tema della Biennale era la felicità, questo è ciò che mi è venuto in mente.

Parlando di felicità, si pensa spesso che l'arte nasca solo da emozioni tristi, dolorose e mortificanti. Cosa ne pensi di questo luogo comune?

La felicità è un enorme tabù in molti circoli artistici. È una cosa che mi infastidisce molto perché vorrebbero quasi che tutti gli artisti fossero Frida Kahlo, la Kahlo della sofferenza. E no, no: c'è molto di più. Perché non tutta l'arte deve nascere dal dolore, dal trauma o dalla sfortuna. Bisogna andare a cercare altre dimensioni emotive. L'arte può nascere in migliaia di modi. Sono sicura che ce ne siano tanti quanti sono gli esseri umani in questo mondo. Credo che la visione dell'arte come dolore o mortificazione sia più una scorciatoia per arrivare a un fondamento teorico per l'opera. Nel mio caso, stati di felicità e appagamento sono ciò che mi ha permesso di realizzare le mie opere.

Nel tuo lavoro traspare un forte interesse per gli oggetti, che per la maggior parte delle persone sono solo questo: oggetti, cose di uso quotidiano, senza alcun interesse reale al di là della loro mera utilità. Cosa ti attrae degli oggetti?

A volte dico che dovrei consultare uno psicologo per capire perché amo così tanto gli oggetti. Credo che abbia a che fare con il fatto che fanno parte della vita quotidiana e mi permettono di trasformarli in qualcosa di sorprendente, cambiandoli, trasformandoli e modificandoli. Un elemento centrale delle mie installazioni è l'elemento sorpresa. Quando le persone vedono una delle mie opere, hanno la sensazione di vedere quell'oggetto per la prima volta. Questo è l'impatto che mi aspetto dall'arte.

Che importanza hanno le biennali per l'arte?

Per me, è una delle cose più importanti che possano accadere nella mia carriera. Credo che la mia arte abbia un ruolo sociale per il suo potenziale trasformativo. Se una persona su cento viene toccata emotivamente, può trasmettere la stessa sensazione a un'altra. E così si crea una catena trasformativa. In questo senso, credo che le biennali permettano a più persone di vedere il tuo lavoro. Inoltre, ti legittima come artista quando un curatore ti sceglie tra centinaia o migliaia di altri artisti che potrebbero scegliere.