L'estetica della fragilità

"Riaffermare la fragilità rimane, ancora oggi, un atto provocatorio". Antoni Llena (Barcellona, ​​1942), pietra miliare dell'arte catalana contemporanea, è anche uno dei pionieri dell'arte concettuale in Spagna. Negli anni '60, l'artista barcellonese abbracciò l'arte povera per abbracciare un'estetica della fragilità e della smaterializzazione che mette in discussione l'idea di permanenza dell'opera d'arte, un'opera a cui è rimasto fedele per tutta la sua carriera.

L'artista – come racconta nelle sue memorie, pubblicate da L'Avenç – ha vissuto una vita confusa e divisa: "Volevo vivere con le mie contraddizioni che si dispiegavano, e sentivo che potevo farlo solo attraverso l'arte". Più che un prodotto, l'arte è, per Llena, un processo, un evento poetico. Dipingere è un modo di esprimere la realtà nel suo inespresso; è prendere coscienza del fallimento del tentativo di catturare il mondo, perseverando in esso, nonostante tutto.

All'età di quindici anni, dopo il fallito tentativo del padre di tramandargli il mestiere di geometra, entrò come novizio nel convento dei Cappuccini di Arenys. L'esperienza lo allontanò dal mondo, ma risvegliò il suo spirito. Più tardi, al convento di Sarrià, un frate gli offrì un abbonamento agli opuscoli di pittura "I maestri del colore" . Fu un evento fecondo: la storia dell'arte gli fu rivelata nella sua interezza e, nella sua cella, iniziò a dipingere. Le sue pretese sulla sua opera erano tali che spesso la riempiva fino al punto di distruggerla. Un giorno, rovesciò del borotalco su un dipinto rovinato e ebbe un'illuminazione: "Perché ho voluto fare un dipinto che fosse l'assoluto se la vita non lo è?". Da allora in poi, avrebbe cercato l'assoluto nell'attimo, nella sua massima fragilità.

La sua filosofia ha dato vita a un'opera fragile, intima, effimera, ma saldamente autentica e poeticamente perenne.

Questo spostamento definisce le sue sculture effimere (1964-1969), fatte di carta e ombre, che esplorano la leggerezza e la scomparsa; la precarietà della vita e della memoria. Fondamentale è l'amicizia con Antoni Tàpies, incontrato durante la Caputxinada mentre gli serviva una zuppa al convento: "Ho percorso la mia strada da sola, ascoltando me stessa. Cercando la stessa cosa che faceva lui, ma senza seguire le sue orme". Tela i paper (1966) è un'opera fondativa e il primo tentativo di scultura impagliata, che Llena ha donato a Tàpies. Decisivo è anche l'incontro con Alexandre Cirici Pellicer, che, sulla rivista Serra d'Or del 1969, lo ha riconosciuto come un creatore critico della sacralizzazione dell'arte.

Fin dalle sue prime opere, Llena sperimenta materiali poveri (carta, gomma, plastica, vetro, legno, ecc.), animandoli con elementi performativi. In Ombres de paper sobre paret (Ombre di carta sul muro, 1969), le ombre disegnate sul muro attivano un gioco di presenza e assenza, anticipando l'arte ambientale o site-specific e affrontando il concetto di vuoto, centrale in tutta la sua opera. Altre opere implorano di essere distrutte o modificate, come scatole che devono essere smontate, o dipinti con polvere di talco che rivelano l'immagine mentre la loro superficie si dissolve (Pintura sobre superfície amb pols de talc, 1967). Con questo gesto, l'artista elude la tradizione materialista e la natura oggettuale dell'opera d'arte.

Nel 1969, co-creò Primera mort con Jordi Galí, Sílvia Gubern e Àngel Jové, considerata la prima opera di videoarte in Spagna. Pioniere dell'arte concettuale, quando questa prese il sopravvento, optò per il silenzio: "Ho deciso di non trasformare la ricerca di idee in una carriera artistica, come ho visto fare a tanti altri", scrive.

Dieci anni dopo, è tornato al suo lavoro con la serie "Retallables" : forme di carta sospese che aggiungono volume e movimento alla pittura tradizionale. Di fronte alla transavanguardia, che considera stereotipata e ripetitiva, propone un'estetica dell'essenzialità: "invece di aggiungere, svuotare".

La poesia di Llena abita anche i nostri spazi pubblici. Nel 1992, in Plaça dels Voluntaris, nel Villaggio Olimpico di Barcellona, ​​ha eretto Davide e Golia , metafora del piccolo contro il gigante e della resistenza dell'artista al sistema dell'arte istituzionalizzato. Nel 2011, in Plaça Sant Miquel, ha realizzato Homenatge als Castellers , ispirato al mito di Sisifo. È anche autore di Món , rimosso dalla facciata di El Corte Inglés in Plaza Catalunya dopo un cambio di proprietà, tra le altre sculture presenti anche nei musei.

"Volevo convivere con le mie contraddizioni e sentivo che potevo farlo solo attraverso l'arte", scrive Llena.

Nei primi anni 2000, quando l'arte tecnologica iniziava a conquistare il mondo dell'arte, Llena preferiva "dire cose nuove con vecchi media". Nel tempo, e fino a poco tempo fa, ha sviluppato la serie di disegni SOS: Signals of Smoke from the Subsol , realizzati con polvere colorata non fissata, destinata a scomparire. La sua eredità è attualmente gestita dalla galleria A/34; è stato lì che un curatore del MoMA, affascinato dall'opera dell'artista barcellonese, ha convinto l'istituzione newyorkese ad acquisire cinque delle sue sculture impagliate nel 2017.

Llena coniuga la creazione artistica con l'attività teorica e l'insegnamento. Ha scritto La gana de l'artista (1999) e Per l'ull de l'art (2008), oltre ad articoli su diversi media, in cui promuove la pratica artistica come necessità vitale e atto di resistenza. "Pensare che l'arte abbia una funzione sociale immediata è un'assurdità", sostiene, e insiste sulla dimensione intima dell'esperienza estetica: "La verità dell'arte è nel cuore, non nella testa". Ha insegnato all'Università di Girona e all'EINA, e le sue opere sono presenti in collezioni come quelle del MACBA, del Reina Sofía, del Museu Tàpies, della Fundació Miró e del MoMA.

Figura chiave del postmodernismo catalano e del rinnovamento del linguaggio scultoreo e concettuale in Spagna, Llena ha spesso adottato un atteggiamento marginale e critico nei confronti del sistema dell'arte, rifuggendo i capricci e le dinamiche del mercato. La sua filosofia si è tradotta in un'opera fragile, intima ed effimera, eppure solidamente autentica e poeticamente duratura. "Non mi sono mai sforzato per ottenere buoni voti, o per superare concorsi, o per intraprendere una carriera artistica. Ho vissuto, e vivo, in ginocchio: sempre disponibile e grato", scrive nelle sue Memòries de fum.

Antoni Fills Ricordi di fumo L'Avenç 120 pagine 16,15 euro