I creativi che modellano la cultura nel 2025

Nel 2025, queste sono le voci imperdibili che plasmano la cultura e le arti performative. Il loro talento è quello delle leggende; sono veri intenditori della loro arte. Questi nove visionari hanno pubblicato album vincitori di Grammy; si sono esibiti in quasi tutte le principali sale da concerto e davanti a un pubblico gremito dal palco; hanno ottenuto nomination ai Tony da record; si sono aggiudicati titoli di prim'ordine; e sono diventati i primi ad abbattere le barriere nei loro rispettivi campi. Hanno migliaia di follower, diventano virali, affinano le loro abilità con collaboratori da sogno e, così facendo, stanno tracciando nuove strade per sé stessi, per la loro arte e per il mondo.

Continuate a leggere per scoprire di più sui loro viaggi, le loro ispirazioni, i loro rituali e le performance che non dimenticheranno mai.

Julia Bullock non ha paura di seguire la sua strada. La star dell'opera, che ha recentemente vinto il Grammy Award per il miglior album vocale solista di musica classica con il suo EP " Walking in the Dark", ha intrapreso una strada non convenzionale per raggiungere le vette più alte del mondo dell'opera. Cresciuta a St. Louis, nel Missouri, inizialmente desiderava dedicarsi al teatro musicale. Ma ha scoperto la musica classica grazie a suo padre, che le ha fatto ascoltare i suoi DVD e dischi d'opera preferiti, ispirandone la carriera. Bullock ha debuttato al Metropolitan Opera in "El Niño" nel 2024 e il pubblico attende con impazienza il suo ritorno al Met nella prossima produzione di "Antonio e Cleopatra".

In una performance che non dimenticherà mai

Il mio debutto alla Carnegie Hall, nello Stern Auditorium. Ho sentito l'eredità di tutte le esibizioni e degli artisti che mi avevano preceduto: la storia era palpabile. È uno spazio che mi ha incoraggiato a cantare. Indossavo un abito di lamé dorato con questo splendido dettaglio a foglie. Mi sentivo a casa in quello spazio.

Sulla sua relazione con la celebre cantante lirica Renée Fleming

Renée è stata davvero fonte di ispirazione, sia ascoltandola che osservandola, ma anche nelle conversazioni personali che ho avuto con lei. Sono tra le conversazioni più importanti della mia vita, sia per quanto riguarda le trattative personali che professionali.

Sulle sue influenze

Sono molto attratto dai cantanti soul, ovvero da chiunque sia stato un interprete eccezionale dei loro testi. Sono stati una grande fonte d'ispirazione. Sanno come trasmettere i testi; capiscono anche il messaggio dei brani che cantano, non li evitano. Allenarsi nel Bel Canto [stile vocale], è una delle gioie della musica. Non solo libera il mio corpo in quel momento, ma mi permette di mantenermi in un modo che mi permetta di continuare a crescere. Sto costruendo una vita nella musica, non mi sto limitando a una grande performance.

A 37 anni, Khatia Buniatishvili è già una delle pianiste più venerate al mondo, avendo suonato in quasi tutte le principali sale da concerto del mondo. Nata a Batumi, in Georgia, e cresciuta nella capitale, Tbilsi, Buniatishvili afferma che la musica è stata per lei e la sua famiglia "un modo per sopravvivere" durante le due guerre che ha vissuto. La sua prima esibizione con la Tbilsi Chamber Orchestra è avvenuta a soli 6 anni; in seguito ha studiato a Vienna, prima di esplodere sulla scena internazionale. Ora Buniatishvili è ambasciatrice Cartier e ha collaborato con artisti come i Coldplay. Ha recentemente pubblicato un album intitolato Mozart e tornerà alla Carnegie Hall il prossimo aprile per un concerto da solista.

Su come infonde emozione nelle sue performance

Quando sei sul palco, l'importante è dare tutto quello che hai in quel momento. Dico sempre che quando sono sul palco è come essere emotivamente nudo, perché non puoi nasconderti dietro la musica. La musica risveglia tutte le emozioni e i sentimenti che provi. Dico che ogni concerto è come il mio ultimo concerto, perché voglio viverlo appieno.

Sull'influenza e sull'ispirazione

L'influenza è diversa dall'ispirazione. Ho molte ispirazioni, ma cerco davvero di evitarle perché credo che l'arte sia una questione di individualismo. Bisogna avere il proprio modo di leggere, ma anche se si subisce un'influenza, è come rubare a qualcuno.

Sul suo rituale pre-spettacolo

Mi piace schiacciare un pisolino. Il cervello deve essere in ottima forma, e quando non si dorme abbastanza, bisogna [concentrarsi di più]. A parte questo, prima di salire sul palco, quando ho intorno persone a cui voglio bene, le abbraccio sicuramente prima di salire. Altrimenti, l'ultima cosa che faccio è guardarmi allo specchio e pensare a cosa vedrò. Vedo nei miei occhi che questa è la mia identità e questo mi ricorda di rimanere con i piedi per terra. [Mi piace] una grande reazione del pubblico, ma non è questo che conta di più. È più importante da dove vieni, chi sei. La connessione con il bambino interiore che vedi nei tuoi occhi, ti aiuta a stare con i piedi per terra.

Come direttrice artistica della serie di concerti Encores! del New York City Center, Lear deBessonet ha diretto diverse produzioni che sono andate a Broadway. È il sogno di una persona come lei, e spera di continuare a crescere con il suo passaggio al Lincoln Center Theater nello stesso ruolo. È la prima donna a dirigere la programmazione nella storia del centro per le arti performative e succede ad André Bishop, che ha guidato l'organizzazione dal 1992. DeBessonet è anche la fondatrice di Public Works al Public Theater, dove ha ricoperto il ruolo di direttrice residente dal 2012 al 2020. Inaugurerà il suo mandato con la trasferta a Broadway della sua produzione di Ragtime , Encores!, che ha ricevuto ottime recensioni. "Ho avuto l'opportunità di vedere la produzione originale di Ragtime ", afferma. "È stato uno dei primi spettacoli che ho visto a Broadway e ha ricalibrato la mia idea di ciò che era possibile fare a teatro".

Su come la sua città natale, Baton Rouge, ha influenzato la sua arte

Non sono cresciuto con una grande esposizione al teatro professionale, ma in un certo senso, la cultura stessa – la vita stessa – era altamente teatrale [a Baton Rouge] tra il Mardi Gras, le partite di football e la chiesa. Era come colore, musica, spettacolo. L'incontro intergenerazionale che si crea lì attorno all'arte, e che avviene al Mardi Gras, è stato estremamente formativo per me. È il cuore della mia essenza teatrale: la fede nella musica, nel colore, nella storia e nella comunità.

Sulla sua ispirazione

Nel mondo del teatro, direi persone come Hal Prince [regista e compositore] e Bartlett Sher [regista e produttore esecutivo del Lincoln Center Theater], con cui lavoro ora, ma anche influenze più globali come il lavoro internazionale di Peter Brook [regista e regista]. Ma ho anche molte influenze esterne al teatro. Sono un vero appassionato delle cerimonie di apertura delle Olimpiadi e sarei felice di analizzare tutto ciò che è mai accaduto in ognuna di esse. Sono molto interessato alle parate e ai momenti organici in cui la comunità si riunisce attorno alla narrazione.

In uno dei suoi spettacoli che l'ha colpita

Ho diretto un nuovo adattamento musicale di The Tempest al The Public. Era il mio primo spettacolo di Public Works, e avevamo 200 persone sul palco, insieme a cinque attori di Broadway, tra cui Norm Lewis e Laura Benanti. Avevamo anche batteristi, un coro gospel, una banda musicale, e abbiamo messo tutta quella ricchezza artistica al servizio della narrazione di una storia. Quello per me è stato un momento decisivo perché era stato come un sogno esotico che si era avverato. Tanti mi avevano detto che era impossibile.

Issac Hernández è il primo ballerino principale messicano dell'American Ballet Theatre (ABT). Cresciuto a Guadalajara, in una famiglia di 11 figli, ha imparato il mestiere dal padre, anche lui ballerino. A 12 anni, si è trasferito a Filadelfia con una borsa di studio per la danza, prima di trasferirsi a New York e partecipare ai corsi intensivi estivi dell'ABT. Ha poi danzato con il San Francisco Ballet, tra gli altri, ricevendo l'ambito Prix de Benois de la Danse nel 2018. Negli ultimi 12 anni, ha prodotto uno spettacolo di danza all'Auditorium Nazionale di Città del Messico, riunendo ballerini da tutto il mondo per esibirsi davanti a un pubblico di 10.000 persone. "Ho sempre cercato di tornare in Messico e di dare un contributo alla scena della danza locale", afferma. "Volevo portare le ballate a un pubblico diverso e creare nuovi fan in Messico". Sarà anche il protagonista di un film, Dreams , con Jessica Chastain, questo autunno.

Sulle sue influenze

Mio padre era il mio insegnante di danza classica, quindi ho ereditato la mia passione proprio da lui. Crescendo, parlavamo di argomenti complessi e mi sono appassionato molto alla politica, alla storia e ai personaggi che hanno fatto cose straordinarie. Come Einstein e Chaplin, e tutte queste persone straordinarie che hanno avuto una visione e hanno lavorato con pochissimo per creare qualcosa di straordinario dalla loro vita.

Perché il balletto risuona con le persone

La danza è una parte essenziale della connessione umana. È un linguaggio universale e qualcosa che ci unisce. È raro prendersi il tempo di vedere la bellezza prendere vita davanti ai propri occhi e vivere questa esperienza condivisa come comunità.

Nel suo luogo di esibizione preferito

L'Auditorium Nazionale di Città del Messico è incredibilmente emozionante, perché è una struttura da 10.000 posti. È un'esperienza che non avevo mai sperimentato prima in nessun altro posto al mondo. E per via del pubblico, è composto da persone che seguono la mia carriera da quando avevo 8 anni. Ho avuto un impatto significativo sulla comunità messicana, quindi è sempre un'esperienza incredibilmente speciale. Ho la mia famiglia lì e posso organizzare una serata e un'esperienza per 10.000 persone. Quando tutto funziona, è emozionante: è un'esperienza diversa da qualsiasi altra cosa abbia mai sperimentato.

Joana Mallwitz ha iniziato da giovanissima. La direttrice d'orchestra ha iniziato a suonare il pianoforte a tre anni e il violino a cinque. Da bambina a Hildesheim, in Germania, faceva musica con gli amici, ma è stato solo a 13 anni, quando ha frequentato un'accademia musicale ad Hannover, che ha scoperto il suo amore per la musica sinfonica e l'opera. Ora, la Mallwitz è direttrice principale e direttrice artistica della Konzerthausorchester Berlin, la prima donna a dirigere una delle principali orchestre berlinesi. È anche in tournée in tutto il mondo e attualmente dirige Le Nozze di Figaro di Mozart al Metropolitan Opera House.

Perché i giovani dovrebbero andare all'opera

Andateci una volta. Quando qualcuno va all'opera o a un concerto sinfonico per la prima volta, a volte accade questa magia, in cui viene colpito dritto al cuore dalle note. Torna sempre, perché non si riesce a spiegare cosa stia succedendo lì. È un'esperienza molto emotiva e fisica. Quando le percussioni e gli archi iniziano a suonare, sentiamo tutte queste bellissime onde sonore in tutta la sala. Ti attraversano. I cantanti d'opera hanno voci che riempiono sale enormi. È anche un'esperienza che si vive insieme a molte persone. Tutti, indipendentemente dalla loro età e dal loro background, vivono insieme questa esperienza intensa. È qualcosa che non trovo da nessun'altra parte.

Sulla sua più grande influenza

Leonard Bernstein. Non l'ho mai incontrato, ma lui è il musicista. È così pieno di musica, e tutto ciò che fa sembra così naturale, ma capisco che non è solo istinto. Certo, ha studiato duramente, ma la musica gli passa dalla testa, dal cuore e dal corpo. Poi, sprigiona la musica. Ha questo modo meraviglioso di entrare in contatto con le persone, che siano bambini, che siano semplicemente presenti, porta il suo entusiasmo a tutti.

Nel miglior locale in cui abbia mai diretto

Il Metropolitan Opera House è davvero straordinario, perché è immenso e glamour, ma dietro le quinte si respira un'aria familiare. Tutti lavorano a stretto contatto e si prendono cura l'uno dell'altro. Devo dire anche della Konzerthausorchester di Berlino: è la mia casa artistica e la adoro. Sono lì con la mia orchestra ed è il posto più magico per me. Il mio concerto di apertura lì nel 2023 è stato come Natale. Abbiamo avuto tre giorni di prove, e poi abbiamo dovuto mostrare al mondo cosa stavamo facendo e dove stavamo andando. L'intera sala tremava di energia e curiosità esplosive. Alla fine, tutti erano in piedi e l'energia era incredibile. Lo porterò per sempre nel cuore.

Chloe Misseldine non avrebbe mai pensato di essere promossa a prima ballerina sul palco. Non era mai successo nella storia dell'ABT. Poi, durante gli inchini dopo un'indimenticabile esibizione del Lago dei Cigni il 3 luglio 2024, è successo: è diventata virale su TikTok, la sua emozione palpabile agli occhi di tutti. Per Misseldine, che riprenderà il suo ruolo nel Lago dei Cigni quest'estate, il balletto è un affare di famiglia. Sua madre era solista dell'ABT e le ha insegnato a ballare nella sua scuola di danza, Orlando, in Florida. Da bambina, indossava le scarpette da punta della madre, camminando pesantemente per casa: ora, sta letteralmente seguendo le orme della madre.

Perché il balletto può parlare alle generazioni più giovani

Il balletto è una forma d'arte meravigliosa e cambia ogni giorno. Si evolve. La danza è un altro modo per esprimere le emozioni. Se i giovani venissero a vedere il balletto, credo che li emozionerebbe in un modo inaspettato. Sono una ballerina professionista, ma continuo ad andare a vedere il balletto, che sia della mia compagnia o di altre compagnie, per guardare i miei colleghi. Può davvero parlarti in modi diversi senza che tu te ne accorga, e per me è fonte di ispirazione.

Sulla sua ispirazione

Mia madre è la mia più grande ispirazione. È stata la mia roccia e la mia luce guida per tutta la mia carriera. È anche la mia migliore amica. Posso parlare con lei di qualsiasi cosa. È di Shanghai e si è trasferita negli Stati Uniti da giovane adulta. Non parlava inglese e vedere come ha affrontato la vita è di grande ispirazione per me.

Sulle sue influenze

Natasha Makarova è una ballerina russa che ha abbandonato il college ed è arrivata all'ABT. È incredibile, una delle mie più grandi ispirazioni. Anche Gelsey Kirkland, che ha lavorato con l'ABT. La sua etica del lavoro e la sua dedizione sono incredibili.

Da bambino, il coreografo residente del New York City Ballet, Justin Peck, due volte vincitore del Tony Award, veniva ogni estate da San Diego a New York con il padre per assistere agli spettacoli. Questi viaggi hanno fatto crescere la sua passione per la danza, spingendolo infine ad aprire un negozio a New York per dedicarsi alla danza a tempo pieno. Il lavoro di Peck con il New York City Ballet ha ottenuto ampi consensi dalla critica. Ha anche vinto un Tony Award per le sue coreografie nel revival del 2018 di Carousel e per Illinoise , un musical di Broadway ispirato all'omonimo album di Sufjan Stevens. Ora, Peck è in lizza per un Tony Award per la terza volta, grazie a una nomination, insieme a Patricia Delgado, per le sue coreografie in Buena Vista Social Club.

Sul lavoro di cui è più orgoglioso

Stavo ascoltando un'intervista su quale tipo di lavoro definisca l'essenza dell'essere, e direi "Illinoise" . È un omaggio a tutte le mie influenze e ispirazioni fin da giovane. Gran parte del lavoro parla di comunità, un tema che emerge sempre nel mio lavoro. Ho sempre faticato a trovare il mio senso di comunità, quindi l'atto di creare uno spettacolo o un balletto mi sembra un modo tangibile per accedervi. Riunisce non solo il cast e il team creativo, ma anche il pubblico, che ne fa parte. Sono allo stesso tempo orgoglioso del lavoro e sconcertato da come sia arrivato a essere quello che è.

Perché la danza è importante

La danza è un'espressione del subconscio e attinge a qualcosa di meno cognitivo. C'è molta logica nella composizione della danza, ma il tipo di emozione che la attraversa è qualcosa di più profondo. Non può essere espresso a parole. Ci sono elementi che esprimono un senso di connessione, legame, comunità e bellezza. È una di quelle forme d'arte rare e uniche che è difficile da comprendere, ma quando è giusta, è una delle esperienze più profonde che si possano sperimentare.

Su un brano musicale che ama e che sorprenderebbe le persone

"Pink Pony Club" di Chappell Roan. Adoro tutto quell'album. È uno di quegli album in cui dico: "Cavolo, è tutto così bello".

Hayato Sumino non si sarebbe mai aspettato che i suoi coetanei si innamorassero della musica classica, ma il suo canale YouTube gli ha dimostrato che si sbagliava. Nato e cresciuto in Giappone, la star ventinovenne, che conta quasi 1,5 milioni di iscritti su YouTube, ha iniziato a studiare informatica all'università. Nel tempo libero, suonava la tastiera e, durante la pandemia di COVID-19, ha iniziato a caricare video su YouTube. Sumino è ora noto per aver incorporato l'improvvisazione jazz nei suoi set classici e debutterà alla Carnegie Hall questo autunno, dove suonerà Chopin, Kapustin e alcune delle sue opere originali.

Al suo imminente debutto alla Carnegie Hall

Mi sono trasferito a New York due anni fa. All'epoca non avevo impegni in America: volevo solo trasferirmi a New York per intraprendere una carriera più ampia all'estero. Certo, suonare alla Carnegie Hall era uno dei miei obiettivi più grandi. Non mi aspettavo che arrivasse così presto, ma sono felicissimo.

Sui suoi rituali pre-spettacolo

Cerco di non avere rituali, perché a volte non riesco a fare qualcosa. Quello che faccio è semplicemente esercitarmi il più possibile, scaldarmi le mani e prendere pastiglie per la tosse.

Sul suo canale YouTube

Non mi sarei mai aspettato che il mio canale diventasse popolare. L'ho aperto per puro divertimento, quando andavo a scuola. Il mio primo video non era nemmeno un'esibizione al pianoforte: giocavo ai videogiochi. È stato del tutto casuale, ma in qualche modo è diventato sempre più popolare, soprattutto durante il COVID, perché i miei concerti sono stati cancellati o rimandati e siamo dovuti rimanere tutti a casa. In quel periodo ho deciso di concentrarmi sulla creazione di contenuti per YouTube. È stato molto divertente. Ho potuto fare quello che volevo, recensendo qualsiasi brano. A un certo punto, ho iniziato a caricare anche musica classica. All'inizio non mi aspettavo che ottenesse molte visualizzazioni, perché è un canale molto limitato, ma alla fine ha attirato molta attenzione.

Kara Young detiene il record per il maggior numero di nomination consecutive ai Tony Award da parte di un'artista nera. La sua prima nomination è arrivata nel 2022 per Clyde's , seguita da una per The Cost of Living del 2022; poi, ha vinto per il suo ruolo nel revival di Purlie Victorious del 2023. Quest'anno è di nuovo in lizza per il premio, questa volta per il ruolo di Aziza in Purpose di Branden Jacobs-Jenkins. Young attribuisce ad Harlem, dove è nata e cresciuta, l'ispirazione per il suo lavoro. È in questo quartiere che ha scoperto il suo amore per le arti performative, prendendo lezioni extracurriculari di danza e recitazione durante gli studi. Si è iscritta all'università, ma dopo un'entusiasmante performance di improvvisazione che ha lasciato il pubblico in lacrime, ha abbandonato gli studi e ha inseguito a tempo pieno i suoi sogni di recitazione. Oggi è entrata a far parte della storia dei Tony Awards.

Sulla partecipazione al Met Gala di quest'anno

Fu uno di quei momenti iconici nella storia e nella moda nera: un omaggio a tanti prima di noi e ai giganti su cui ci basiamo. Essendo nato e cresciuto ad Harlem, la mostra [ “Superfine: Tailoring Black Style” ] mi ha fatto venire i brividi. Vorrei tornarci tre, quattro o cinque volte.

Sulla sua performance eccezionale

Ho messo in scena questo spettacolo nel 2017, intitolato "Syncing Ink" . È stato prodotto per la prima volta all'Alley Theater [di Houston] e poi abbiamo finito per metterlo in scena al Flea Theater [di New York]. Era un omaggio all'hip-hop e agli antenati, ed era uno di quegli spettacoli che non erano uno spettacolo, ma un'esperienza. È stato molto impegnativo perché ho dovuto essere completamente aperto e malleabile, perché era molto interattivo con il pubblico. Alla fine, la gente è venuta da ogni dove per vedere questo spettacolo in un teatro da 99 posti. È stato assolutamente folle.

Perché il teatro è importante

In questo mondo, c'è così tanta divisione tra razza, classe, genere e altro ancora. Stiamo cercando di mettere le persone nei loro schemi. Il teatro è uno dei pochi posti in cui si riuniscono persone di ogni estrazione sociale. Tutte le età, tutte le etnie, sedute insieme per tre ore ad ascoltare uno spettacolo. Ieri sera [alla nostra rappresentazione di Purpose ], mi è sembrato incredibile che Angela Bassett e Daniel Kaluuya fossero seduti nello stesso teatro, le più grandi star, con persone che avrebbero potuto pagare un biglietto d'ingresso di 45 dollari. Crea una tale unificazione di battiti del cuore e ci ricorda che siamo tutti umani. In Purpose , Brandon [Jacobs-Jenkins, lo scrittore] ci racconta così tanto. Non c'è una cosa sola da cui puoi uscire e dire: "Ecco di cosa si tratta". Riguarda così tante cose, e il fatto che tutti noi siamo insieme, appoggiati, è rivoluzionario in questo momento.