Clássicos da Fotografia | Diane Airbus: A Beleza do Tema

A julgar pela coleção de fotografias reunida no Gropius Bau, em Berlim, o único interesse de Diane Arbus na fotografia residia em retratar pessoas. Sua obra completa, que abrange desde a década de 1940 até sua morte em 1971, surge para o observador moderno como uma busca constante pela essência da humanidade. Além de trabalhos por encomenda, Arbus parece não ter fotografado quase nada além disso. A exposição retrospectiva da obra da fotógrafa americana, intitulada "Constelações", é a mais abrangente já realizada. Entre as 454 fotografias, apenas três não são retratos no sentido estrito, e mesmo essas tratam, em última análise, das pessoas que simplesmente não estão visíveis na fotografia.

Os retratos de Arbus abrangiam um panorama de tipologias humanas; ela parecia magicamente atraída por tipos bizarros e pessoas à margem da sociedade: excêntricos, desviantes sexuais, extremos, gostos questionáveis, poses e situações — toda a natureza multifacetada da prática humana. Onde a maioria desviaria o olhar, ela pegava sua câmera. Isso nos lembra Sibylle Bergemann , que, assim como Arbus, embora uma geração depois, localizava a verdadeira vida nas profundezas do espaço: "Interesso-me pela periferia do mundo, não pelo centro. O insubstituível é o que me importa", como ela mesma disse certa vez. Para Arbus, também, tornava-se interessante quando algo não estava bem nos rostos e nas paisagens interiores. Um retrato era como um segredo para ela, por trás do qual outro se escondia: "Quanto mais ele te conta, menos você sabe".

Quando se trata do suicídio de Diane Arbus em 1971, aos 48 anos, geralmente se relata que ela tirou a própria vida devido à depressão e ansiedades existenciais decorrentes da falta de encomendas e bolsas de pesquisa. Esta última versão é surpreendente, visto que Arbus vinha de uma família rica e cresceu despreocupada e com uma educação de alto nível em Nova York. Ela era, consequentemente, bem relacionada, como diríamos hoje, e já era muito conhecida em vida. Trabalhou para revistas importantes como "Vogue" e "Glamour" e suas obras estavam presentes em coleções como a do MoMA.

É claro que o mercado de revistas americanas e a fotografia em geral mudaram no final da década de 1960. A fotografia de rua em preto e branco, pura, de um Garry Winogrand, Robert Frank ou mesmo Diane Arbus, teve seu auge com o surgimento da câmera de 35 mm como uma alternativa prática às câmeras profissionais de grande formato. No entanto, uma geração mais jovem começou lentamente a se afastar dos temas tradicionais e preferiu experimentar com a fotografia colorida. É bem possível que o estilo despretensioso de retratos de Arbus não fosse mais tão requisitado.

Seria uma reação exagerada à psicologia amadora tirar conclusões sobre os retratados de Diane Arbus a partir de sua aparente turbulência interior, ou vice-versa. De qualquer forma, um mundo fascinante, repleto de personagens extraordinários, se desdobra diante do espectador de seus retratos e ensaios fotográficos. Em seu primeiro ensaio fotográfico, publicado em 1960 na revista Esquire, ela explorou e fotografou, segundo seu próprio relato, "fisiculturistas, concursos de beleza, debutantes, párias, reuniões de escoteiras, gangues juvenis, um hotel decadente na Broadway e seus habitantes, um anão russo imitando Maurice Chevalier, um crematório de animais e artistas em um show de drag queens". Na verdade, como escreveu ao seu então marido, ela "gostaria de fotografar todas as pessoas".

Paralelamente aos seus trabalhos por encomenda, frequentemente para revistas de moda, Arbus explorou repetidamente temas envolvendo pessoas à margem das normas sociais – que, reconhecidamente, ainda eram bastante restritas nos EUA durante as décadas de 1950 e 60. Ela visitou prisões e hospitais psiquiátricos, instituições para pessoas com deficiência intelectual e até mesmo um acampamento de verão para famílias nudistas. A sensação de alteridade, as fraturas em seus rostos e histórias de vida eram, para ela, sinais de vida à margem da sociedade. Ela fotografava essas pessoas "diretamente", sem qualquer intenção oculta ou significado secundário subjacente.

Os sujeitos geralmente são posicionados no centro da imagem, olhando diretamente para a câmera. Sua linguagem visual revela uma sólida formação, mas evita correr riscos formais. Para Arbus, a beleza da imagem não reside na composição extravagante, mas no próprio sujeito. Formalmente, ela recua, por assim dizer, para trás de suas figuras, permitindo que elas ocupem o espaço.

O retrato mais famoso de Arbus é provavelmente o das irmãs gêmeas idênticas de sete anos. Durante muitos anos, ela fotografou repetidamente gêmeos e trigêmeos, fascinada por suas semelhanças e, ao mesmo tempo, por suas diferenças. Os gêmeos eram um símbolo poderoso para sua exploração das fronteiras entre a normalidade e o desvio. O mesmo se aplicava às crianças que vivem em seu próprio mundo de inocência e mal internalizaram as normas sociais.

Os inúmeros retratos de crianças e jovens, muitas vezes de origens desfavorecidas, por si só, já fazem a exposição valer a visita. É lamentável, mais uma vez, que hoje em dia seja praticamente impossível fotografar pessoas, especialmente crianças, sem inibições, e que a imagem fotográfica seja amplamente percebida como uma ameaça assim que sai da esfera privada. Certamente, o direito à própria imagem é uma conquista valiosa, mas é preciso questionar: que imagem da sociedade atual queremos deixar para nossos netos, e como queremos nos lembrar dela no futuro?

As pinturas de Arbus condensam a história e transmitem um retrato vívido do espírito de sua época. Hoje, pinturas como as dela só seriam possíveis com amplas salvaguardas legais – ou não seriam possíveis de forma alguma.

Diane Arbus: Constelações, em exibição até 18 de janeiro de 2026 no Gropius Bau, em Berlim.