Como olhar para a arte na era da distração? Seis livros para entender a percepção hoje

Em seu recente livro, Dizer o Mundo: Uma Introdução à Filosofia da Linguagem (Malba Literatura), a narradora, tradutora e ensaísta Mariana Dimópulos afirma o seguinte: “ A imagem foi ganhando peso progressivo e a técnica da palavra se tornou uma técnica de acumulação estatística de informação. Assim, antigas formas de expressão , até recentemente fundamentais, acabam perdendo seu destaque. E as artes mudam, e a literatura muda , e o que vemos e ao que prestamos atenção não é mais exclusivamente a palavra escrita, mas algo ou outra coisa.”

Essas considerações, que para muitos podem soar terríveis e desastrosas porque falam do fim de um modo de existir no mundo, refletem uma certeza cada vez mais evidente neste presente histórico: a preponderância do visual em detrimento do uso tradicional da palavra escrita.

Nesse sentido, as artes visuais como área da arte, em um tempo em que essa concepção está em constante tensão ("se tudo é arte, o que é arte?") , assumem uma nova importância neste contexto de reconfiguração pós-pandemia. Ou seja: o olhar precisa ser novamente educado, pois vivemos tempos em que, diante da massificação e contaminação avassaladoras das redes, somadas à redefinição de subjetividades durante a pandemia, a percepção e a valoração das imagens se desestabilizam, puxadas por uma insistente desilusão.

Como podemos aprender a ver as coisas de uma nova maneira? Em resposta a essa situação, acaba de ser lançada uma série de livros que tentam abordar esse problema contemporâneo em relação às artes visuais a partir de diferentes perspectivas e intervenções. Vamos dar uma olhada.

A poeta, artista visual, curadora e – ela mesma observa isso em sua biografia – dona de casa Fernanda Laguna escreve: “A palavra ‘arte’ é como uma estrela anã que se apaga à medida que cresce , e é por isso que preciso de energia para usá-la. Para mim, arte não é um objeto ou um acúmulo deles, mas sim que a palavra expressa um mundo que eu chamo, por analogia, de ‘trans’.”

Em ¡Muy Espectacular! Deseos, Cartas y Textos de Arte (1995–2025) (Reservoir Books), seu livro mais recente, Laguna demonstra uma maneira de usar o olhar que se distancia completamente de qualquer percepção teórica ("Eu montei como artista") para criar uma abordagem sensorial e devocional às obras: "Sou fascinado pelo que os outros fazem, por isso trabalho muito coletivamente", escreve.

São textos que sempre têm um público-alvo e, portanto, se tornam personalizados, criando intimidade e proximidade : Mariela Scafati, Tracey Emin, Diana Aisenberg, Guillermo Iuso, Gumier Maier, Roberta Iannamico, entre outros. Dessa forma, Laguna busca sua própria concepção de beleza (a arte é algo belo?), sempre se afastando de espaços e imagens preestabelecidos e institucionalizados para confrontar um olhar — e uma voz — emancipados.

Ele diz na página 53: "Sou guiado pela excitação de que algo que eu jamais imaginaria possa aparecer." A arte, hoje, é sobre imaginação? Muito espetacular! Ela funciona com base em uma ideia: o julgamento – e ainda mais o preconceito – destrói a experiência estética.

O maior sintoma dos tempos atuais — graças à internet, à pandemia e às mídias sociais — é a incapacidade de manter a atenção por períodos cada vez mais curtos . Como isso afeta a arte e as exposições? Muito, claro, porque a arte está inserida na vida cotidiana.

No entanto, é possível que artistas dessa época utilizem essa atenção fragmentada — ou mesmo fragmentada? — para incluí-la como parte de um diálogo com suas imagens visuais. "Disturbed Attention: Ways of Seeing Art and Performance Today" (Caixa Preta), de Claire Bishop , aborda essa questão e considera possíveis soluções/reinvenções.

O autor escreve: “A maneira como definimos a atenção está intrinsecamente ligada à maneira como nos concebemos como seres humanos.” E ainda observa: “ A patologização da atenção produz uma separação entre mente e corpo , indivíduo e sociedade. Você se sente aliviado porque o defeito é o seu cérebro, não você. Mas ainda é você, o indivíduo, quem está recebendo a medicação: não a sociedade.”

Um livro que interpreta eventos atuais para tentar responder a uma pergunta específica: o que vemos quando não conseguimos prestar atenção? Um texto crítico para entender a posição de novos públicos. E o que fazer com ela.

Diário de uma Artista (Chai Editora), de Anne Truitt, é um livro que oferece uma oportunidade: entrar na oficina mental de uma artista. No início da década de 1970, a artista americana recebia diversos prêmios e estava sobrecarregada. Sentia que estava "se perdendo". Tomou uma decisão: comprou um caderno e começou a escrever.

Ela diz no prólogo: “ A única limitação que impus a mim mesma foi deixar o artista falar. Eu esperava que, se o fizesse honestamente, descobriria como me ver de uma perspectiva que me tornaria completa aos meus próprios olhos.” Ela explica ainda: “Comecei a ver como minha vida havia sido construída enquanto eu a vivia, como natural e inevitavelmente eu havia me tornado uma artista.”

Daybook abrange o período de 1974 a 1980, permitindo-nos testemunhar o cotidiano de Truitt e ver como ela construiu seu caminho na arte enquanto se tornava mãe e vivia como artista independente. É um texto de relevância contemporânea porque aborda questões contemporâneas: a economia, a maternidade, o futuro da sociedade e o próprio valor do trabalho de alguém em meio a um mundo que parece, inevitavelmente, desmoronar.

É por isso que uma contrapartida a este livro poderia ser o recente ensaio "O Olho-Cérebro: Novas Histórias da Pintura Moderna " (Cactus), de Éric Alliez e Jean-Clet Martin. Trata-se de um texto que tenta se aprofundar, usando linguagem filosófica, no funcionamento da mente de um artista visual.

É uma obra que busca aprofundar a relação entre o olho e o cérebro – o Olho-Cérebro – e os modos de ver a partir de uma perspectiva histórico-crítica que vai de Goethe a Cézanne.

O extraordinário artista e escritor Luis Felipe "Yuyo" Noé deixou dois livros que marcam um momento crucial na relação entre criação, teoria reflexiva e ensaio: "O Olho que Escreve" (E Comercial) e "Assumindo o Caos. Na Vida e na Arte " (Cuenco del Plata). Esses dois textos servem como pontos de conexão em uma jornada alucinante pela cultura argentina : formação e legado, ou o início formativo e um fim apoteótico.

Em "The Writing Eye", Noé oferece uma rica análise de sua relação com pinturas, livros e situações que lhe deram as ferramentas para pensar sobre arte e encontrar conceituações sobre seu próprio futuro como criador de imagens, pinturas e escritos. É um livro esclarecedor porque nos leva aos bastidores de um artista brilhante e nos faz questionar de onde surgem tantas ideias.

"Assumindo o Caos" , por sua vez, é um dos ensaios do ano . Não apenas pela maneira brilhante, complexa e diversa com que busca conceber o caos (veja o documentário "Três à Deriva do Ato Criativo", de Fernando "Pino" Solanas, se quiser se aprofundar), mas também porque nos leva a considerar os tempos caóticos em que vivemos através dos olhos de um artista deslumbrante.

Abraçando o Caos é uma leitura obrigatória para entender como um artista como Noé pode continuar até o fim com a mesma lucidez e determinação para criar artefatos incríveis.

Ler o pintor, crítico e escritor inglês John Berger e o historiador italiano Carlo Ginzburg leva a dois pensamentos interligados: esses dois realmente sabem ver e sabem melhor do que ninguém como escrever sobre o que viram. Dois de seus livros, que refletem essa realidade, acabam de ser publicados: "Alguns Passos para uma Pequena Teoria do Visível" (Interzona), de Berger, e "Uma História Sem Fim" (E Comercial), de Ginzburg.

Se Berger pergunta e questiona, numa série de ensaios de diferentes épocas, qual o lugar do pintor (o autor fala de “resistência”) num mundo assolado por imagens como o atual, Ginzburg, em 9 ensaios primorosos, reflete a partir do seu espaço, o da micro-história, a maneira como as imagens se ligam às palavras e como falamos sobre o que vemos, daí que esta seja uma “história sem fim”: sempre falamos sobre o que vemos.

Ou seja: a questão que eles abordam é direta: como dar profundidade (e valor, claro) às palavras e ao trabalho de confronto das imagens artísticas neste mundo altamente visual onde nada parece ficar impresso na retina?

Para encerrar (e voltar ao início), vale a pena considerar estas palavras de Mariana Dimópulos em Decir el mundo : “O mundo, que produz demasiados discursos e utiliza pouco desse excedente autorreflexivo para assuntos que valem a pena, continuará a criar dispositivos e tecnologias enquanto for a nossa forma de viver e de conceber o que (acreditamos) nos importa.”

Talvez o maior desafio desta era, onde tudo é hiperestimulação incessante e nada permanece em lugar nenhum, seja produzir valor, significado e transcendência novamente . Como sempre, dar a este navio sem leme um novo horizonte é uma tarefa coletiva, na qual todos desempenham o seu papel. Os livros que compartilhamos neste artigo são a prova de que é possível repensar as artes visuais, deste lado da história.