Eine originelle Keramikweberei gewann den Volf-Preis von arteba, der Kunst und Handwerk verbindet.

Der Cordoba-Künstler Luciano Giménez , das die ästhetischen Möglichkeiten von lokalem Ton erforscht, ist der Gewinner der ersten Ausgabe des Volf-Preises für zeitgenössische Kunst , der sich zu den Preisen gesellt, die während der arteba verliehen werden, die heute, Mittwoch, für Institutionen und Sammler und am Freitag für die breite Öffentlichkeit geöffnet ist .

Die Arbeit des 44-jährigen Künstlers unterstreicht die etablierte Verbindung zwischen Kunst und Handwerk , eine zentrale Prämisse für die Jury, die sich aus Leandro Vainberg – Direktor des auf Besteck und Tafelgeschirr spezialisierten Unternehmens – und Lucas Kokogian, Direktor der Azur Gallery, zusammensetzt und ihn auswählte.

Der Preis würdigt Praktiken, die technische Meisterleistung erfolgreich mit einer zeitgenössischen künstlerischen Vision verbinden , und legt den Schwerpunkt auf Stücke, die mit der Gastronomie als kreativem Gebiet in Verbindung stehen. Ein Beispiel hierfür sind die Gebrauchsgegenstände, die Giménez im Laufe der Jahre entwickelt hat, obwohl er sich in letzter Zeit vor allem durch seine großformatigen Tonwebereien hervorgetan hat.

Zusätzlich zu einem Preisgeld von 3 Millionen Pesos für den Gewinner wird das Unternehmen, das im Land auf eine über 100-jährige Geschichte zurückblicken kann, während der Messe mehrere Werke erwerben, um mit dem Aufbau einer Sammlung zu beginnen.

„Ich bin unglaublich glücklich“, sagte der Autor gegenüber Clarín, nachdem er die Auszeichnung erhalten hatte. Er hat an einer öffentlichen Universität Industriedesign und Bildende Kunst studiert und ist Mitglied des Keramikkollektivs Casiopea und des Zeichenkollektivs Carbonillas Project .

Seine Arbeiten nehmen eine ganze Wand des Stands der Cott-Galerie bei arteba ein, zusammen mit Stücken, die in der Ausstellung „Corazas para algo inmenso“ ausgestellt sind. Neben „Macizo“ ist das Stück im Rahmen seiner Forschungsarbeiten in der Ziegelei Palmar entstanden.

– Volf arbeitet daran, das Handwerk und seine praktischen Aspekte zu bewahren. Ist das Teil Ihrer Arbeit?

– Ich komme aus dem Handwerk, und das ist es, was mir am meisten bedeutet: meine Unterstützung. Ich arbeite seit 15 Jahren in der Keramikbranche, und das Entdecken neuer Techniken macht es unendlich. Ich habe alle Phasen durchlaufen, von der Herstellung von Restaurantgeschirr bis hin zum Unterrichten, Experimentieren und Staunen über meine Arbeit. Gleichzeitig bin ich Elektromechaniker.

– Wie sind Sie zu einer Karriere als Künstler gekommen?

–Ich habe es immer geliebt, mit meinen Händen zu bauen. Und neben der Architektur kam dem damals Industriedesign am nächsten, da es mir die Möglichkeit gibt, Dinge zu bauen. Zeichnen war tief in mir verwurzelt; ich war verliebt darin. Ich wollte alles manuell machen. Mit Technik kam ich nie zurecht und geriet ins Hintertreffen, weil alles mit Programmieren zu tun hatte. Ich genoss es, ein Modell zu erstellen; das faszinierte mich. Das führte mich zur Kunst. Aus Neugierde absolvierte ich schließlich ein Kunststudium.

– Wie sind Sie zur Keramik gekommen und wie sind Sie von Ihren frühen verzierten Stücken zu Ihren aktuellen Tonstücken übergegangen?

– Ich begann mit meiner Partnerin Sol Carranza Sieber Keramik zu machen. Wir konnten im Atelier etwas schaffen, das wirklich funktionierte und gleichzeitig etwas Besonderes, Dekoratives, hinzufügte. Ich wurde fanatisch. Ich betrat die Welt des „Keramik-Seins“, und alles andere begann zu verblassen. Das Material selbst begann sich zu offenbaren. Ich fand Schönheit in dieser Einfachheit.

– Die Idee, Stücke zu schaffen, die sowohl praktisch als auch unterhaltsam sind, fällt mit einer Zeit des Disziplinenwechsels zusammen. Wie haben Sie daran gearbeitet?

Die Zeit verdeutlicht auch die Bedeutung des Handwerks. Ich habe es damals geliebt, Geschirr herzustellen, aber dann wurde ich müde. Es gab einen Keramikboom, und wenn etwas in Mode kommt, macht mir das ein bisschen Angst; ich wollte nicht dabei bleiben. Als ich mit dem Weben anfing, war ich fasziniert von der Größe, von der Herstellung großer Stücke. Ich glaube, das war der Auslöser für meine Suche.

– Das wurde in der letzten Ausstellung „Corazas para algo inmense“ deutlich. Wann haben Sie daran gedacht, Keramik zu weben?

Vor einigen Jahren sah ich Designer, die aus extrudierten Teilen Bänke herstellten und dabei Keramik aus Geschirr und Alltagsgegenständen verwendeten. Und als ich auf einer Reise Werkstätten in Lateinamerika besuchte, traf ich Künstler, die Gebäude mit Keramik verkleideten. Ich sah die Größe des Materials und die damit verbundene Herausforderung und dachte darüber nach, es selbst zu tun. Ich suchte nach Werkstätten in Córdoba mit großen Brennöfen, darunter die Ziegelei Palmar.

– Wie kam es zu der Zusammenarbeit mit ihnen?

Ich wurde eingeladen, den Ort zu besuchen, und da öffnete sich eine neue Tür für meine Arbeit. Einige Freunde und ich hatten gerade ein Wandgemälde für den Universitätscampus geschaffen, und ich arbeitete mit roter Keramik, die im Atelier am schwierigsten zu verarbeiten ist, weil sie reißt und wenig Wert hat. Das Material, die Erde, die man im Fluss findet, begann Sinn zu ergeben. Es war einfach: sammeln, kneten und bauen. Ich begann, großformatige Werke mit dem Ton aus der Fabrik zu entwerfen.

– Haben Sie auf Ihrer Reise durch Lateinamerika ein bestimmtes Textil als Referenz genommen?

– Als ich anfing, Keramikstücke zu weben, dachte ich, das mache schon jemand anderes, aber ich habe online gesucht und niemanden gefunden. Es war eine sehr persönliche Suche, und meine Webkunst ist sehr einfach. Man bringt Dinge mit, wie zum Beispiel während meines Designstudiums, als ich gerne etwas auf Kleidung sticken konnte. Ich habe Mode schon immer geliebt. Ich hatte die typische Erfahrung einer webenden Großmutter, ohne darauf angewiesen zu sein. Außerdem hatte ich Zugang zu einer Nähmaschine und einem Webstuhl.

Zurück zu meiner Reise und den Einflüssen: Die vielen Museumsbesuche in Kolumbien, Peru und Mexiko bleiben mir im Gedächtnis. Meine Stärken sind das Weben und die rote Keramik. Ich fühlte mich wohl, als ich diese beiden Techniken kombinieren konnte und was dabei herauskam, wenn ich das Starre flexibler machte und Keramik für einen anderen Zweck verwendete.

– Wie definieren Sie die Erweiterung des Textilformats?

– Ich versuche, so viel wie möglich zu erweitern. Danach ist vieles damit verbunden, denn ein großes Keramikstück zu bewegen ist nicht dasselbe wie eine Zeichnung; das schränkt mich immer ein. Für die Ausstellung in der Cott Gallery habe ich in einem bestimmten Maßstab gearbeitet, transportabel, damit man es zu Hause ausstellen kann, und das ist nicht so übertrieben.

– Und was sind die Besonderheiten der Ziegelarbeiten, die Sie bei Arteba präsentieren werden?

–Es heißt „Massiv “. Es ist an den Prozess angelehnt, den ich vor Jahren mit einigen Ziegelmassiven durchgeführt habe. Ich hatte eine Idee, aber der Ton war nicht derselbe wie der, der im Workshop verwendet wurde. Er verhält sich anders, er hat eine neue Logik. Es sind extrudierte, zerkleinerte, verformte Ziegel. Ich fange an, einen ästhetischen Aspekt in der entstehenden Falte zu entdecken. Mir geht es darum, die Ziegelidentität nicht zu verlieren, sie aber anders zu verarbeiten.