Los creativos que moldean la cultura en 2025

En 2025, estas son las voces imprescindibles que moldean la cultura y las artes escénicas. Su talento es legendario; son verdaderos conocedores de su arte. Estos nueve visionarios han lanzado álbumes ganadores de premios Grammy; han actuado en casi todas las principales salas de conciertos y ante público abarrotado; han obtenido nominaciones a los Tony que han batido récords; han alcanzado títulos de la cima; y se han convertido en los primeros en romper barreras en sus respectivos campos. Cuentan con miles de seguidores, se han vuelto virales, perfeccionan su arte con colaboradores de ensueño y, al hacerlo, están trazando nuevos rumbos para sí mismos, para su arte y para el mundo.

Continúe leyendo para conocer más sobre sus viajes, inspiraciones, rituales y las actuaciones que nunca olvidarán.

Julia Bullock no teme seguir su propio camino. La estrella de la ópera, quien recientemente ganó el Premio Grammy al Mejor Álbum Vocal Solista Clásico por su EP, Walking in the Dark, ha tomado un camino poco convencional para alcanzar las más altas esferas de la ópera. Creció en San Luis, Misuri, y originalmente quería dedicarse al teatro musical. Pero descubrió la música clásica gracias a su padre, quien le ponía sus DVD y grabaciones de ópera favoritos e inspiró su carrera. Bullock debutó en la Ópera Metropolitana con El Niño en 2024, y el público espera con entusiasmo su regreso al Met en la próxima producción de Antonio y Cleopatra.

En una actuación que nunca olvidará

Mi debut en el Carnegie Hall, en el Auditorio Stern. Sentí el legado de todas las actuaciones y artistas que me precedieron; la historia era palpable. Es un espacio que me animó a cantar. Llevaba un vestido de lamé dorado con un hermoso detalle de hojas. Sentí que pertenecía a ese lugar.

Sobre su relación con la reconocida cantante de ópera Renée Fleming

Renée ha sido una gran inspiración, tanto al escucharla y observarla, como en mis conversaciones personales. Son algunas de las conversaciones más importantes de mi vida, tanto en negociaciones personales como profesionales.

Sobre sus influencias

Me atraen mucho los cantantes de soul, es decir, cualquiera que haya sido un excelente intérprete de sus obras. Han sido una gran inspiración. Saben cómo interpretar los textos; también comprenden el mensaje de las piezas que cantan; no les temen. Estudiar bel canto es una de las grandes alegrías. No solo me libera en el momento, sino que me permite mantenerme para seguir creciendo. Estoy construyendo una vida en la música, no solo aspirando a una gran actuación.

A sus 37 años, Khatia Buniatishvili ya es una de las pianistas más veneradas del mundo, habiendo actuado en prácticamente todas las principales salas de conciertos del mundo. Nacida en Batumi, Georgia, y criada en la capital, Tiflis, Buniatishvili afirma que la música fue su "forma de supervivencia" para ella y su familia durante las dos guerras que vivió. Su primera actuación con la Orquesta de Cámara de Tiflis fue cuando tenía tan solo 6 años; posteriormente estudió en Viena, antes de saltar a la fama internacional. Actualmente, Buniatishvili es embajadora de Cartier y ha colaborado con artistas como Coldplay. Recientemente lanzó un álbum titulado Mozart y tiene previsto regresar al Carnegie Hall el próximo abril para un concierto en solitario.

Sobre cómo impregna sus actuaciones de emoción

Cuando estás en el escenario, lo importante es darlo todo en ese momento. Siempre digo que cuando estoy en el escenario es como estar emocionalmente desnudo, porque no puedes esconderte detrás de la música. La música despierta todas tus emociones y sentimientos. Digo que cada concierto es como mi último concierto, porque quiero vivirlo plenamente.

Sobre la influencia versus la inspiración

La influencia es diferente a la inspiración. Tengo muchas inspiraciones, pero intento evitarlas porque creo que el arte se trata del individualismo. Debes tener tu propia forma de leer, pero si te influyen, es como robarle a alguien.

Sobre su ritual previo al espectáculo

Me gusta echarme una siesta. El cerebro necesita estar en plena forma, y ​​cuando no duermes lo suficiente, tienes que concentrarte más. Además, antes de subir al escenario, cuando tengo gente que quiero cerca, sin duda les doy un abrazo. Si no, lo último que hago es mirarme al espejo y pensar en lo que veré. Veo en mis ojos que esta es mi identidad y eso me recuerda que debo mantener los pies en la tierra. Me gusta una gran reacción del público, pero eso no es lo más importante. Se trata más de dónde vienes, de quién eres. La conexión con el niño interior que ves en tus ojos te ayuda a conectar con la tierra.

Como directora artística de la serie de conciertos Encores! del New York City Center, Lear deBessonet dirigió varias producciones que llegaron a Broadway. Ese es el sueño de alguien como ella, y espera seguir ascendiendo al trasladarse al Lincoln Center Theater en el mismo puesto. Es la primera mujer a cargo de la programación en la historia del centro de artes escénicas y sucede a André Bishop, quien dirigió la organización desde 1992. DeBessonet también es la fundadora de Public Works en el Public Theater, donde se desempeñó como directora residente de 2012 a 2020. Está lista para comenzar su mandato con la transferencia a Broadway de su producción de Ragtime , Encores!, que recibió excelentes críticas. "Tuve la oportunidad de ver la producción original de Ragtime ", dice. "Fue uno de los primeros espectáculos que vi en Broadway y recalibró mi idea de lo que era posible en el teatro".

Sobre cómo su ciudad natal, Baton Rouge, influyó en su arte

No crecí con mucha exposición al teatro profesional, pero en cierto modo, la cultura misma —la vida misma— era muy teatral [en Baton Rouge] entre el Mardi Gras, los partidos de fútbol y la iglesia. Era como el color, la música, el espectáculo. La unión intergeneracional que surge en torno al arte allí, y que ocurre en el Mardi Gras, fue sumamente formativa para mí. Es la esencia de mi esencia teatral: la creencia en la música, el color, la historia y la comunidad.

Sobre su inspiración

Dentro del mundo del teatro, diría que personas como Hal Prince [director y compositor] y Bartlett Sher [director y productor ejecutivo del Lincoln Center Theater], con quienes trabajo actualmente, pero también influencias más globales como el trabajo internacional de Peter Brook [director y cineasta]. Pero también tengo muchas influencias fuera del teatro. Soy un verdadero apasionado de las ceremonias de inauguración de los Juegos Olímpicos y con gusto analizaría todo lo que ha sucedido en cualquiera de ellas. Me interesan mucho los desfiles y los momentos orgánicos donde la comunidad se reúne en torno a la narración.

En uno de sus programas que la impactó

Dirigí una nueva adaptación musical de La Tempestad en The Public. Fue mi primer espectáculo de Public Works, y tuvimos a 200 personas en el escenario, junto con cinco actores de Broadway, entre ellos Norm Lewis y Laura Benanti. También contamos con percusionistas, un coro gospel, una banda de música, y pusimos toda esa riqueza artística al servicio de contar una historia. Para mí, ese fue un momento decisivo, porque fue como un sueño exótico hecho realidad. Mucha gente me había dicho que era imposible.

Issac Hernández es el primer bailarín principal mexicano del American Ballet Theatre (ABT). Creció en Guadalajara, en una familia de 11 hijos, y aprendió sus habilidades de su padre, quien también era bailarín. Cuando cumplió 12 años, fue a Filadelfia con una beca de danza, antes de mudarse a Nueva York y participar en los intensivos de verano del ABT. Luego bailó con el San Francisco Ballet, entre otros, recibiendo el estimado Prix de Benois de la Danse en 2018. Durante los últimos 12 años, ha producido un espectáculo de danza en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, reuniendo a bailarines de todo el mundo para actuar ante una multitud de 10,000 personas. "Siempre he tratado de regresar a México y hacer algo con la escena de la danza aquí", dice. "Quería llevar las baladas a un tipo diferente de público y crear nuevos fanáticos en México". También está listo para protagonizar una película, Dreams , con Jessica Chastain este otoño.

Sobre sus influencias

Mi padre fue mi profesor de ballet, así que heredé mi pasión de él. De pequeña, hablábamos de temas complejos y me apasioné por la política, la historia y personajes que han hecho cosas extraordinarias. Como Einstein y Chaplin, y todas esas personas increíbles que tuvieron visión y trabajaron con muy poco para lograr algo extraordinario en sus vidas.

Sobre por qué el ballet resuena en la gente

La danza es una parte esencial de la conexión humana. Es un lenguaje universal y algo que nos conecta. Es raro tomarse el tiempo para ver la belleza cobrar vida ante nuestros ojos y compartir esta experiencia como comunidad.

Sobre su lugar de actuación favorito

El Auditorio Nacional de la Ciudad de México es increíblemente emocionante, con capacidad para 10,000 personas. Es algo que nunca antes había experimentado en ningún otro lugar del mundo. Y también por el público, gente que ha seguido mi carrera desde que tenía 8 años. He tenido un gran impacto en la comunidad mexicana, así que siempre se siente increíblemente especial. Tengo a mi familia allí y puedo organizar una velada y una experiencia para 10,000 personas. Cuando todo sale bien, es emocionante; es una experiencia única.

Joana Mallwitz empezó desde muy joven. La directora empezó a tocar el piano a los tres años y el violín a los cinco. De niña en Hildesheim, Alemania, solía tocar música con sus amigos, pero no fue hasta los 13 años, cuando asistió a una academia de música en Hannover, que descubrió su amor por la música sinfónica y la ópera. Actualmente, Mallwitz es la directora titular y artística de la Konzerthausorchester de Berlín, la primera mujer en dirigir una de las principales orquestas de Berlín. También realiza giras internacionales y actualmente dirige Las bodas de Fígaro de Mozart en el Metropolitan Opera House.

Por qué los jóvenes deberían asistir a la ópera

Ve una sola vez. Cuando alguien va a la ópera o a una sinfónica por primera vez, a veces ocurre esa magia en la que las notas te llegan al corazón. Siempre regresan, porque es imposible explicar lo que está sucediendo. Es una experiencia muy emotiva y física. Cuando la percusión y las cuerdas se ponen en marcha, tenemos unas hermosas ondas de sonido por toda la sala. Te atraviesan. Los cantantes de ópera tienen voces que llenan salas enormes. También es una experiencia que se vive con mucha gente. Todos, independientemente de su día y origen, viven esta intensa experiencia juntos. Es algo que no encuentro en ningún otro lugar.

Sobre su mayor influencia

Leonard Bernstein. Nunca lo conocí, pero él es el músico. Está tan lleno de música, y todo lo que hace parece tan natural, pero veo que no es solo instinto. Claro que estudió mucho, pero la música le pasa de la cabeza al corazón y al cuerpo. Luego, la libera. Tiene una forma hermosa de conectar con la gente, ya sean niños o personas que simplemente están ahí; transmite su entusiasmo a todos.

En el mejor escenario en el que ha dirigido

La Metropolitan Opera House es increíble, enorme y glamurosa, pero tras bambalinas se respira un ambiente familiar. Todos trabajan en estrecha colaboración y se cuidan mutuamente. También debo decir que la Konzerthausorchester de Berlín es mi hogar artístico y me encanta. Estoy allí con mi orquesta y es un lugar mágico para mí. Mi concierto inaugural allí en 2023 fue como Navidad. Tuvimos tres días de ensayos y luego tuvimos que mostrarle al mundo lo que hacíamos y adónde íbamos. Toda la sala vibraba con una energía y una curiosidad explosivas. Al final, todos estaban de pie y la energía era increíble. Lo llevaré en mi corazón para siempre.

Chloe Misseldine nunca imaginó que ascendería a bailarina principal en escena. Nunca había sucedido en la historia del ABT. Entonces, durante la despedida tras una inolvidable función de El Lago de los Cisnes el 3 de julio de 2024, sucedió: se volvió viral en TikTok; su emoción era palpable. Para Misseldine, quien repetirá su papel en El Lago de los Cisnes este verano, el ballet es un asunto de familia. Su madre fue solista del ABT y le enseñó a bailar en el estudio de su ciudad natal, Orlando, Florida. De niña, se ponía las zapatillas de punta de su madre y caminaba ruidosamente por la casa; ahora, literalmente, sigue los pasos de su madre.

Por qué el ballet puede llegar a una generación más joven

El ballet es una forma de arte tan hermosa que cambia a diario. Evoluciona. La danza es otra forma de expresar emociones. Si los jóvenes vinieran a ver ballet, creo que los conmovería de una forma inesperada. Soy bailarina profesional, pero sigo yendo al ballet, ya sea de mi compañía o de otras, para ver a mis colegas. Realmente puede llegar a transmitirte de diferentes maneras sin que te des cuenta, y a mí me inspira.

Sobre su inspiración

Mi madre es mi mayor inspiración. Ha sido mi pilar y mi guía durante toda mi carrera. También es mi mejor amiga. Puedo hablar con ella de cualquier cosa. Es de Shanghái y se mudó a Estados Unidos de joven. No hablaba inglés, y ver cómo se desenvolvió en la vida me inspira muchísimo.

Sobre sus influencias

Natasha Makarova es una bailarina rusa que desertó y llegó al ABT. Es increíble, una de mis mayores inspiraciones. También Gelsey Kirkland, quien también estuvo en el ABT. Su ética de trabajo y dedicación son increíbles.

Cuando era niño, el coreógrafo residente del New York City Ballet y dos veces ganador del Tony, Justin Peck, venía de San Diego a la ciudad de Nueva York todos los veranos con su padre para ver espectáculos. Los viajes acrecentaron su pasión por el oficio, lo que finalmente lo impulsó a establecerse en la ciudad de Nueva York para sumergirse en la danza a tiempo completo. El trabajo de Peck con el NYC Ballet ha obtenido una amplia aclamación de la crítica. También ganó premios Tony por su coreografía en el reestreno de Carousel en 2018 y por Illinoise , un musical de Broadway inspirado en el álbum homónimo de Sufjan Stevens. Ahora, Peck está en la carrera por un Tony por tercera vez, gracias a una nominación, con Patricia Delgado, por su coreografía en Buena Vista Social Club.

Sobre el trabajo del que está más orgulloso

Estaba escuchando una entrevista sobre qué tipo de trabajo define la esencia del ser, y me quedo con Illinoise . Es un homenaje a todas mis influencias e inspiraciones desde joven. Gran parte de él se centra en la comunidad, un tema que siempre aparece en mi trabajo. Siempre me ha costado encontrar mi propio sentido de comunidad, así que crear un espectáculo o una pieza de danza me parece una forma tangible de acceder a él. Reúne no solo a un elenco y un equipo creativo, sino también al público, que forma parte de él. Estoy orgulloso del trabajo y a la vez desconcertado por cómo llegó a ser lo que fue.

Por qué es importante la danza

La danza es una expresión del subconsciente y se conecta con algo menos cognitivo. Hay mucha lógica en la composición danzaria, pero la emoción que la recorre es algo más profundo. No se puede expresar con palabras. Hay elementos que expresan una sensación de conexión, vínculo, comunidad y belleza. Es una de esas formas de arte raras y únicas que a la gente le cuesta comprender, pero cuando se realiza correctamente, es una de las experiencias más profundas que se pueden experimentar.

Sobre una pieza musical que le encanta y que sorprendería a la gente.

"Pink Pony Club" de Chappell Roan. Me encanta todo el álbum. Es uno de esos álbumes en los que pienso: "¡Rayos, es buenísimo!".

Hayato Sumino nunca imaginó que gente de su edad se enamoraría de la música clásica, pero su canal de YouTube le demostró lo contrario. Nacido y criado en Japón, la estrella de 29 años, con casi 1,5 millones de suscriptores en YouTube, estudió informática en la universidad. En su tiempo libre, tocaba las teclas, y durante la pandemia de COVID-19, comenzó a subir videos a YouTube. Sumino es conocido por incorporar improvisaciones de jazz en sus recitales de música clásica y debutará en el Carnegie Hall este otoño, donde interpretará a Chopin, Kapustin y algunas de sus obras originales.

Sobre su próximo debut en el Carnegie Hall

Me mudé a Nueva York hace dos años. En aquel entonces, no tenía ningún compromiso en Estados Unidos; solo quería mudarme a Nueva York para desarrollar una carrera más amplia en el extranjero. Claro que dar un concierto en el Carnegie Hall era uno de mis mayores objetivos. No esperaba que llegara tan pronto, pero estoy muy feliz.

Sobre sus rituales previos a la actuación

Intento no tener rituales, porque a veces no puedo hacer algo. Lo que hago es simplemente practicar lo más que puedo, calentarme las manos y tomar pastillas para la tos.

En su canal de YouTube

Nunca imaginé que mi canal se haría popular. Lo abrí por diversión cuando estaba en la escuela. Mi primer video ni siquiera era una interpretación de piano; estaba jugando videojuegos. Era algo totalmente aleatorio, pero de alguna manera se hizo cada vez más popular, especialmente durante la COVID-19, porque mis conciertos se cancelaron o pospusieron, y todos tuvimos que quedarnos en casa. Decidí centrarme en crear contenido de YouTube durante ese tiempo. Fue muy divertido. Pude hacer lo que quería, versionar cualquier pieza. En cierto momento, también empecé a subir música clásica. Al principio, no esperaba que tuviera muchas visitas, porque es muy limitado, pero terminó atrayendo mucha atención.

Kara Young ostenta el récord de más nominaciones consecutivas al Tony para una artista negra. Su primera nominación llegó en 2022 por Clyde's , seguida de una nominación por The Cost of Living de 2022; luego, ganó por su papel en la reposición de Purlie Victorious de 2023. Este año, vuelve a ser nominada al premio, esta vez por su papel de Aziza en Purpose, de Branden Jacobs-Jenkins. Young atribuye a Harlem, donde nació y creció, la inspiración para su trabajo. En este barrio descubrió su amor por las artes escénicas, participando en actividades extracurriculares de danza y actuación durante sus estudios. Se matriculó en la universidad, pero tras una conmovedora actuación de improvisación que hizo llorar al público, la abandonó y se dedicó por completo a su sueño de ser actriz. Hoy, ha entrado en la historia de los Premios Tony.

Sobre asistir a la Gala del Met este año

Fue uno de esos momentos icónicos de la historia y la moda afroamericanas: un homenaje a tantos que nos precedieron y a los gigantes que nos respaldan. Habiendo nacido y crecido en Harlem, la exposición [ “Superfine: Tailoring Black Style” ] me dio escalofríos. Quiero volver tres, cuatro o cinco veces.

Sobre su destacada actuación

En 2017, representé esta obra llamada Syncing Ink . Se estrenó primero en el Teatro Alley [de Houston] y luego tuvimos una producción posterior en el Teatro Flea [de Nueva York]. Rindió homenaje al hip-hop y a los ancestros, y fue una de esas obras que no eran una obra, sino una experiencia. Fue un gran reto porque tuve que ser completamente abierto y flexible, ya que era muy interactivo con el público. Al final, vino gente de todas partes para ver esta obra en un teatro de 99 butacas. Fue una locura.

Sobre por qué es importante el teatro

En este mundo, hay tanta división entre raza, clase, género y más. Estamos tratando de poner a las personas en sus cajas. El teatro es uno de los pocos lugares donde alguna vez consigues gente de todos los orígenes. Todas las edades, todas las razas, se sientan juntas durante tres horas y escuchan una obra. Anoche [en nuestra función de Purpose ], fue una locura para mí que Angela Bassett y Daniel Kaluuya estuvieran sentados en el mismo teatro, las estrellas más grandes, con personas que podrían haber pagado una entrada de $45 por hora punta. Crea tal unificación de latidos del corazón y un recordatorio de que todos somos humanos. En Purpose , Brandon [Jacobs-Jenkins, el escritor] establece tanto para nosotros. No hay una sola cosa de la que puedas salir y decir, "De esto se trata". Se trata de tantas cosas, y para todos nosotros estar juntos, apoyándonos, eso es revolucionario en este momento.