Muestra reúne las escenas de recreación y bienestar del México posrevolucionario

▲ El punto de partida de la exposición es el cuadro Día de San Juan, de Julio Castellanos, cuyo aniversario natal 120 se celebrará el 3 de octubre.Foto Fomento Cultura Banamex

Merry MacMasters

Periódico La JornadaDomingo 7 de septiembre de 2025, p. 2

El Foro Valparaíso inició una nueva serie de exposiciones con el nombre Obras emblemáticas de la colección de pintura Banamex. La primera muestra de la serie, Fiesta acuática mexicana: Julio Castellanos, parte del cuadro Día de San Juan (ca. 1939), del pintor nacido en 1905, cuyo aniversario natal 120 se celebrará el 3 de octubre. La serie busca generar nuevas lecturas en torno a los cuadros más relevantes de la colección. Se incluyen dos bocetos que Castellanos hizo para la pintura.

Fiesta acuática mexicana: Julio Castellanos es un recorrido por los imaginarios de esparcimiento y la cultura física del México posrevolucionario por medio de 13 piezas, entre pintura, fotografía, dibujo, grabado y material fílmico. Cuenta con obras del grabador Leopoldo Méndez, los fotógrafos Lola Álvarez Bravo y Agustín Víctor Casasola, el arquitecto Fernando Beltrán y el pintor Adolfo Best Maugard, de quien se presenta un fragmento de su filme Humanidad. Las piezas documentan y reinterpretan de manera visual la vida en balnearios y espacios recreativos, en un periodo en que el gobierno mexicano impulsaba políticas culturales orientadas al bienestar social y la construcción de ciudadanía.

Castellanos es una figura clave del arte mexicano moderno, no obstante que su trayectoria se truncó al fallecer a los 41 años. La pintura en cuestión representa la tradición de bañarse el 24 de junio, día de San Juan Bautista. El artista retoma este ritual para retratar no sólo costumbres populares, sino también el avance del país hacia la higiene pública y el deporte como prácticas modernas.

Su temprana muerte apartó a Castellanos de la atención del público. Nacido en la Ciudad de México, su padre Julio Castellanos Hernández era íntimo amigo de Juan de Dios Peza, Jesús Valenzuela y Luis G. Urbina, y frecuentaba los círculos artísticos del porfiriato. Alentó la temprana afición de su hijo por el dibujo. En la secundaria el pequeño Julio conoció de casualidad a Saturnino Herrán (1887-1918), de quien se volvió discípulo.

Después de unos cuatro años en Estados Unidos, adonde lo mandó su madre para apartarlo de la bohemia, regresó a México. Además de frecuentar las escuelas al aire libre, hacia 1924 conoció a Manuel Rodríguez Lozano, entonces jefe del Departamento de Arte de Educación Primaria, quien lo animó a pintar de nuevo y se volvió su amigo.

Destacadas colaboraciones

En los años anteriores a la realización de Día de San Juan, a Castellanos se le situaba entre los pintores del grupo Los Contemporáneos por su participación en las escenografías del Teatro de Ulises. A principios de los años 30 trabajó con María Asúnsolo en organizar la Galería de la Universidad. En 1932 ayudó a Juan O’Gorman en la elaboración de los murales de la Biblioteca de Azcapotzalco y, en paralelo, preparó los bocetos de una decoración en el café La Blanca, entonces, en la calle de Gante.

Poco después empezó a pintar al fresco en la Escuela Gabriela Mistral, y decoró la escalera de la primaria Héroes de Churubusco, en Coyoacán, con un tema festivo. Según el crítico de arte Olivier Debroise, “los turbulentos juegos infantiles representados en tres tableros contiguos, con sus detalles atrevidos y su movimiento febril, anteceden inmediatamente a Día de San Juan”.

En su libro Figuras en el trópico, plástica mexicana 1920-1940, Debroise escribe que Día de San Juan “inaugura una nueva época, la mejor tal vez, de la pintura de Julio Castellanos. En el origen del cuadro está una fotografía de Lola Álvarez Bravo, titulada también El día de San Juan y tomada en el balneario Revolución”.

Señala que todos los cuadros del pintor están organizados de manera frontal y con muy poca profundidad de campo. Sin embargo, en Día de San Juan “se abre espacio mediante un complicado juego de múltiples perspectivas. La amplitud interna del cuadro sugiere una composición monumental; sin embargo, el óleo apenas mide 40 por 48 centímetros”.

Para Debroise, Día de San Juan es una pintura de grupo de carácter frontal atípica. En el primer plano, “instala una figura virginal púdicamente envuelta en una toalla que desdibuja sus formas y se hunde entre sus piernas”. Único personaje consciente de ser observado, es también “el único que esconde su desnudez”. Mientras tanto, los niños del cuadro “pertenecen a un mundo casi irreal, idílico y desprejuiciado, asexuado, pero no desexualizado”.

De acuerdo con Debroise, los cuadros Día de San Juan, Ángeles robachicos y El bohío maya (1945) “forman una suerte de trilogía en la que Castellanos expresa su particular visión del mundo mexicano”.

El Foro Valparaíso se ubica en Venustiano Carranza 60, Centro Histórico.

Juan Carlos G. Partida

Corresponsal

Periódico La JornadaDomingo 7 de septiembre de 2025, p. 3

Guadalajara, Jal., De Juchitán al Universo: Obra de Francisco Toledo es una exposición retrospectiva sobre la obra del artista oaxaqueño que incluye, por lo menos, 70 piezas gráficas; se exhibe desde este fin de semana en el Museo de la Ciudad de Guadalajara, con entrada gratuita y permanencia hasta diciembre.

El proyecto, calificado por sus organizadores como la exposición más significativa realizada en años recientes en el Museo de la Ciudad, se montó en colaboración con el Museo Internacional de Arte (MInArt) y la colección de Benjamín Fernández. Fue curado por Maythé Loza y Alberto Ramos.

La exposición se puede apreciar en cinco salas del museo y, según los organizadores, ofrece un “recorrido por un universo creativo poblado de animales, seres fantásticos y símbolos de la naturaleza”, con obras que datan de los años 60 hasta poco antes de su fallecimiento, en 2019.

Durante la inauguración de la exposición se recordó que Toledo fue mucho más que un artista plástico, y su legado también está ligado al activismo cultural, la defensa de las lenguas indígenas y la preservación de la identidad de su pueblo, causas que marcaron su vida y obra.

Se destacó que el maestro juchiteco “marcó un antes y un después en la cultura de México”, por su obra cargada de simbolismo, identidad y compromiso social, que ha sido exhibida en los principales recintos del mundo.

Entre las obras se exhiben grabados, pinturas y piezas que juegan con lo tradicional y lo contemporáneo, la característica principal de Toledo, “figura imprescindible del arte mexicano”.

Creador empático

Maythé Loza explicó que a Toledo le gustaba reflejar lo que vivía, “por eso los sapos, los grillos, los puercos, porque es algo que es real y me rodea, algo que vivo”, decía.

“Reflejar esa naturalidad era importante para él; tenemos esta línea también de lo erótico o lo referente a su familia, a su madre, a su padre. Todo eso lo vuelve muy empático para todos”, afirmó.

Evocó que no sólo Juchitán estaba en sus amores y obra, sino la ciudad de Oaxaca o Etla, municipio cercano a la zona arqueológica de Monte Albán, donde uno de sus proyectos, la fábrica de papel artesanal, sigue sus actividades, pese a la muerte del artista.

“En Oaxaca creó el Instituto de Investigaciones de Artes Gráficas, donde está la colección bibliográfica de arte gráfico más grande de México, la cual vendió al gobierno estatal por un peso”, rememoró.

Loza dijo que el trabajo comunitario de Toledo está claramente reflejado en la retrospectiva y que hay muchas anécdotas de cuando paseaba por Juchitán.

“La imagen de los papalotes donde aparece con los niños es real, no una pose. Era sumamente querido por su comunidad, porque él también la quería mucho.”

Alberto Ramos, el otro curador de la exposición, refirió que Toledo siempre buscó reconocer su origen, identificarse y sentir que pertenecía a un núcleo específico, culturalmente hablando, lo que se ve muy bien comunicado en su obra.

“Es su magia, no sólo emociones, tradiciones y contextos socioculturales, sino que logró tocar fibras alrededor del mundo, y eso lo convierte en un artista tan valioso”, aseveró.

La apertura de la exposición coincidió con el sexto aniversario del fallecimiento del oaxaqueño, y ha logrado capturar la atención de la ciudadanía en general, estudiantes de artes plásticas y turistas, que tendrán hasta diciembre para admirar su obra dentro del recinto de exposiciones ubicado en el centro de Guadalajara.

▲ Decenas de manifestantes irrumpieron con mantas y protestas en la inauguración de la retrospectiva dedicada a Francisco Toledo en el Museo de la Ciudad de Guadalajara.Foto Arturo Campos

Juan Carlos G. Partida

Corresponsal

Periódico La JornadaDomingo 7 de septiembre de 2025, p. 3

Guadalajara, Jal., Durante la inauguración de la retrospectiva de Francisco Toledo en el Museo de la Ciudad de Guadalajara, la comunidad artística local se manifestó para exigir al gobierno de Jalisco la localización con vida de la artista Francisca (Frany) Arteaga, quien fue privada de su libertad el 27 de agosto pasado por un grupo de hombres armados que se la llevó de la galería en la que estaba dando un taller.

Frany Arteaga, artista plástica, pintora y maestra de 35 años, fue sustraída contra su voluntad el 27 de agosto pasado en Guadalajara por un grupo armado que ingresó a la galería Casa Natalia, donde impartía un taller de dibujo a niños. Según testigos, los captores buscaban a otra persona.

Desde su desaparición, la comunidad artística y la sociedad civil han exigido su localización con vida. A través de redes sociales con etiquetas como #DondeEstaFrany y #LaCulturaNoCalla, han difundido su imagen de manera profusa, logrando amplia audiencia.

También han realizado intervenciones artísticas, pegado carteles y, antes de la irrupción del 4 de septiembre en la exposición de Toledo, el 30 de agosto familiares, amigos y otros artistas se congregaron afuera de palacio de gobierno para exigir respuesta a la desaparición y acciones inmediatas para rescatar a Frany con vida.

La llegada inesperada de quienes protestaron por la desaparición durante la inauguración de la retrospectiva de Toledo fue mediante un performance, mantas, letreros, consignas y la lectura de un manifiesto para recordar que a la maestra, a la amiga, a la artista a quien “hoy convirtieron en ausencia”.

La comunidad cultural ha hecho un llamado a realizar acciones creativas como la pega de carteles con el rostro de Frany, la creación de esténciles y otras intervenciones en el espacio público para mantener viva la memoria y la exigencia de su aparición con vida.

También se ha convocado a realizar plantones simbólicos y cacerolazos frente a espacios culturales, aunque no se han especificado fechas concretas para cada una de estas actividades, manteniéndose como una convocatoria abierta.

▲ Huayrapamushka se presentó el 20 de agosto en el teatro Fernando Calderón de la capital zacatecana.Foto cortesía de la agrupación

Alfredo Valadez Rodríguez

Corresponsal

Periódico La JornadaDomingo 7 de septiembre de 2025, p. 4

Zacatecas, Zac., Con un recital especial en el teatro Fernando Calderón de la capital zacatecana se conmemoró el 50 aniversario de la creación del grupo universitario de música folclórica y de protesta Huayrapamushka: Los Hijos del Viento, por el que han transitado decenas de mujeres y hombres virtuosos de la música y el canto de la Universidad Autónoma de Zacatecas (UAZ).

En el concierto conmemorativo intervinieron los músicos fundadores del grupo: Marie Annick Morisse –cantante y bailarina francesa de flamenco que llegó desde París acompañada por el pintor y escultor zacatecano Ismael Guardado–, Javier del Muro Escareño, Francisco Javier Saldaña López y Carlos García Sánchez. Los cuatro fueron los precursores de la agrupación universitaria en 1972, aunque fue hasta 1975 cuando el entonces rector, Jesús Manuel Díaz Casas, formalizó su constitución como parte de la universidad y comenzaron a sumarse otros integrantes.

Huayrapamushka es un término ecuatoriano, del indígena quichua, que significa “hijos del viento”, que también podría traducirse –explicó durante el recital Marie Annick Morisse– como “hijos de la chingada”, pues se utilizó despectivamente para nombrar a los vástagos de mujeres nativas violadas por los españoles durante la Conquista, en el mestizaje forzado.

Ahora, siglos después, en Zacatecas, tierra de los chichimecas que combatieron al capitán Pedro de Alvarado durante la colonización española, los integrantes del grupo decidieron, a propuesta de la francesa Morisse, nombrarse Huayrapamushka y ser identificados como Los Huayras.

Hoy son el referente universitario de la UAZ para recuperar y mantener vigentes mediante la música la ideología popular de izquierda, de la época en que América Latina sufrió golpes de Estado y represión estudiantil, al interpretar a autores y grupos como Atahualpa Yupanqui, Víctor Jara, Violeta Parra, Los Olimareños, Alfredo Zitarrosa, Daniel Viglietti, Inti-Illimani, Quilapayún, Los Calchakis, Silvio Rodríguez, Noel Nicola y Pablo Milanés, entre muchos otros.

Pero Huayrapamushka, explicó en entrevista con este diario Esaúl Arteaga Domínguez (ex integrante del grupo, del que fue guitarrista durante más de 30 años), también ha dado un espacio primordial al rescate y promoción de la música tradicional mexicana, al incluir corridos, valonas, polkas, huapangos y sones, así como interpretaciones de cantores como Óscar Chávez, José de Molina y Judith Reyes.

Entre muchos otros que han participado de forma destacada con Los Huayras están Adrián Villagómez (actual director del grupo y primera voz), José Manuel Pinedo Chávez, Alejandra Aguilera Miranda, Joaquín Correa, Ignacio Rosales Encina, Verónica Dávila Navarro, César Ortiz Estrada, Roberto Ibarra Medrano, Nicolás Acosta García, Aída Martínez Olivares, Miguel Carlos Ruedas y Antonio Dueñez, quienes con su talento al cantar o tocar –algunos ejecutan hasta tres instrumentos– han forjado durante medio siglo la historia de esta agrupación.

Arteaga, quien también ha escrito, fotografiado y documentado algunos de los principales sucesos de Huayrapamushka, narró a La Jornada cómo, durante los años 70, 80 y 90, épocas de efervescencia estudiantil y social en Zacatecas, la agrupación ofreció “conciertos en las escuelas de la UAZ, ya que acudían a todas las invitaciones de organizaciones sociales y estudiantiles del estado, así como de trabajadores, colonos y campesinos.

“Eran invitados regularmente a festivales nacionales e internacionales que organizaban instituciones culturales de los gobiernos y universidades… lugares como Oaxaca, Guerrero, San Luis Potosí, Querétaro, Chihuahua y Monterrey.”

En su presentación del 20 de agosto, en Zacatecas, Huayrapamushka arrancó su concierto por sus 50 años de vida, ante unos 500 asistentes reunidos en el teatro Fernando Calderón, con un tema obligado: El derecho de vivir en paz, del chileno Víctor Jara.

También interpretaron La naranjita, carnavalito boliviano; Subo, vidala argentina; Pampa Lirima, chilena; Lo que más quiero, de Violeta Parra; Tierra mestiza, de Gerardo Tamez; Tinku, boliviana; La marcha del indio, de Afranio Parra, de Colombia; Sobre tu playa, del grupo chileno Inti Illimani; La muralla, del cubano Nicolás Guillen, y cerró con una interpretación de todos los músicos presentes de El pueblo unido, de la agrupación Quilapayún.

Los asistentes agradecieron con una fuerte ovación de pie.

▲ El artista en su exposición La modernidad insufrible, dibujos de segunda mano.Foto cortesía del Taller Popular de Oaxaca

De la Redacción

Periódico La JornadaDomingo 7 de septiembre de 2025, p. 4

A lo largo de 40 ilustraciones, realizadas principalmente sobre papel estraza, el artista Daniel Guzmán “presenta el proceso de despliegue y disolución del ser masculino, agente violento y destructor, ese hombre que debería estar muerto”, en la muestra La modernidad insufrible, dibujos de segunda mano, que se exhibe en el Taller Popular de Oaxaca.

La exhibición es parte del proyecto El hombre que debería estar muerto (EHQDEM), serie de colecciones de los museos Tamayo, Nacional de Arte (Munal), Amparo y de Arte Contemporáneo (Marco).

En 2017, Guzmán comenzó una serie de dibujos que dividió en capítulos; en el más reciente presenta una investigación de momentos y escenas habitadas por este hombre del que habla. “Dibujos que son un amasijo humano y caldo de cultivo preparado con porciones del acompañamiento de William Burroughs, Jorge Luis Borges, Mariana Enríquez, Ricardo Piglia, Leila Guerriero, Lucia Berlin, Paul B. Preciado, Roberto Bolaño, Phillip K. Dick y Mark Fisher, así como de películas y otros artefactos de la llamada cultura popular. De la cuna a la tumba, las costumbres, valores y creencias, son herencias, conocimientos, cachivaches usados, pasados de mano en mano, de boca en boca y de generación en generación: cosas de segunda mano”, detalla el artista en el texto que acompaña la exposición.

Guzmán, cuyos dibujos son resultado de la búsqueda constante y disciplinada, guiada por la intuición de la mano que traduce la imaginación, considera que “como Xipe Totecs andantes, cargamos la piel infame de la historia moderna y contemporánea, del horror de hábitos ensangrentados y violentos, ropajes de personalidades múltiples: rey, amo, empresario, capitalista, colonialista, fascista, nazi: todos blancos, todos negros, todos rojos, todos amarillos. Para ocultar la ruina y el matadero en que se ha convertido el planeta que habitamos, inventamos nuestro campo de concentración personalizado, digital y portátil, que nos separa del horror de este fin del mundo hasta que el destino nos alcance”.

En una charla con Mónica de la Torre, el artista mencionó que a lo largo de su vida ha tenido conexión con la literatura, “me encantan los libros, me gusta leer, mi primer amor fueron los libros, más que las artes plásticas o visuales, porque en mi casa de niño mi papá compraba historietas mexicanas, veía los gráficos, pero, más que eso, me interesaba en la lectura. Cuando comencé esta serie de dibujos, creo que el marco conceptual era como una novela o una historia breve, y no en lo gráfico, sino en lo conceptual, esa es la razón por la puse subtítulos para dividirla”.

Por eso creó una narrativa visual: “muchos de mis dibujos anteriores tenían textos retomados del periódico o de libros que leía; después los quité todos y me quedé con lo visual, para experimentar algo que no diera un significado”.

El lenguaje visual empleado por Guzmán se expande desde el cómic hasta la iconografía prehispánica, pasando por los periódicos, la caricatura y la música popular. Su obra se caracteriza por la integración de elementos del paisaje urbano y referencias autobiográficas.

La modernidad insufrible, dibujos de segunda mano: EHQDEM de Daniel Guzmán permanecerá en exhibición hasta el 17 de octubre de 2025 en el Taller Popular (Porfirio Díaz 413, Centro Histórico de Oaxaca) de lunes a sábado de 11 a 19 horas.