Andrés Paredes im Sívori-Museum: Fabelwesen, Kosmos und rote Erde

Im ersten Raum des Museo Sívori , wo Andrés Paredes ‘ Wanderausstellung „ Eine Handvoll Erde “ beginnt, fragt Sandra Juárez‘ kuratorischer Text: „Wie viel Erde passt in eine Faust? Wie durchdringt die Seele den Ort, an dem wir geboren wurden? “ Sobald man beginnt, zwischen den Installationen umherzugehen, in denen das Leben der Bäume und die Schrecken des Landes Misiones pulsieren , weiß man, dass das Gebiet, das der renommierte Künstler erforscht, die Guarani-Kultur ist, deren Weltanschauung in diesem Werk ein schillerndes Geschenk ist.

Der Künstler, der kürzlich mit der Cott Gallery bei arteBA Erfolg hatte und auf einer Bundestournee durch andere Provinzen Erfolg hatte, nähert sich nun der Figuration, um mythologische Wesen zu schaffen, die ein Wunderwerk der Vorstellungskraft sind.

Die Kultur der Guarani ist viel mehr als die Wurzeln in Apóstoles, Misiones, wo Andrés geboren wurde. Es ist eines der 30 Jesuitendörfer, die Anfang des 17. Jahrhunderts von der Gesellschaft Jesu gegründet wurden . Über die Weltanschauung der Guarani zu sprechen, bedeutet, ein Gebiet ohne Grenzen zu durchqueren: vom Süden Brasiliens über das benachbarte Paraguay bis in den Nordosten Argentiniens, in die Provinzen Misiones und Corrientes.

Andrés Paredes bringt nicht nur sein künstlerisches und geographisches Territorium in das Sívori-Museum ein. Er öffnet seine Seele für alles, was ihn befragt , und sagt auf eine Frage von Clarín : „Das Natürliche kann ohne das Übernatürliche nicht verstanden werden.“ Und in diesem zweigleisigen Weg eröffnet er eine sehr persönliche Sicht auf die Welt: Er nimmt das, was er umwandeln möchte, aus der Guaraní-Kultur, aus den Spuren der Jesuitenkultur, aus der Erde und dem Firmament, dessen Sternenkarte er gezeichnet hat, und ergänzt es dann in der 20 Meter hohen, erdfarbenen Installation, in der seine mythischen Wesen fliegen.

Er ist ein Künstler, der viel erforscht , ja. Aber er stellt sich auch auf der Grundlage seiner Gefühle und Intuitionen vor . Wie der Ausstellungstext von Silvina Amighini, der Kuratorin des Museums, betont, sind Andrés' Werke „organisch, sensibel und uralt“ und erinnern an eine andere Zeit: die der Erde und der Sterne. Er bringt uns die Weltanschauung der Guarani näher, die das Sichtbare nicht vom Unsichtbaren trennt.

Niemand ist besser geeignet als Andrés Paredes, uns die Geheimnisse der roten Erde zu verraten, die er in seiner Faust hält.

„Zum ersten Mal taucht Figuration in meinem Werk auf. Die Ausstellung beginnt mit ‚The Stars Think We’re the Fleeting Ones‘ und stellt den Himmel dar, der im September über Buenos Aires schwebt. Alle Sterne stammen aus einer Aufnahme, die ich vom Himmel gemacht habe. Was Sie sehen, ist wie das erste Gesetz des Kybalion: Himmel und Erde, ‚wie oben, so unten‘“, erklärt er und zeigt uns seine erste figurative Installation, eine 20 Meter lange Leinwand aus Erde und Acryl, auf der kleine weiße Kreaturen abgebildet sind. Seine persönliche Spiritualität beginnt sich in Glaubenssätzen, Ideen, Wissen und Träumen auszudrücken, die er in der Erschaffung seiner mythologischen Wesen eingefangen hat, wie zum Beispiel dem geflügelten Tapir, der das Bild der Ausstellung ist.

„ Die Figuren sprechen vom Übernatürlichen. Ich arbeite mit der Natur, aber mir gefällt die Idee, einen Bezug zur Kosmogonie der Guarani herzustellen. Für die Guarani geht die Seele eines Menschen nach seinem Tod in die Blumen, und die Kolibris haben die Aufgabe, die Seele aus den Blumen zu holen und ins Universum zu tragen. Deshalb beginnt alles mit dieser Situation, in der man nicht weiß, wo man ist. Jede Religion hat eine andere Transzendenz und hat mit dem Universellen und mit der Zeit zu tun . Wir wollen 80 Jahre alt werden und die Sterne leben 500 Millionen Jahre. Und wir glauben, sie sind vergänglich. Dieses Werk spricht von einer Dimension der Zeit, die von der Weltanschauung der Guarani inspiriert ist“, erzählt uns Andrés begeistert.

– Sprechen diese Werke über die Natur und auch über Transformation?

– Ja, meine Arbeit basiert auf Transformation. In diesem Werk habe ich mit Ton und Acryl gearbeitet. Es sind verschiedene übernatürliche Figuren, die ich basierend auf bestimmten Themen aus meiner Region erfunden habe. Die Guaraní glauben beispielsweise, dass die Milchstraße der Weg des Tapirs ist; dieses Tier ist für sie ein Gott, der jede Nacht auf der Suche nach Nahrung und Wasser ausgeht und dabei immer denselben Weg markiert. Die Fußabdrücke des Tapirs auf den Blättern reflektieren das Mondlicht, und so wie sie den Himmel sehen, nennen sie ihn nicht Milchstraße, sondern mboreví rapé, was „der Weg des Tapirs“ bedeutet. So entsteht diese Figur: ein Tapir mit Flügeln, der über die Milchstraße fliegen kann. Andere Wesen sind zum Beispiel ein Tukan, der mit einem Yarará verschmilzt; eine Guaraní-Meerjungfrau, die mit einem Aal verschmilzt; oder dieser geflügelte Nasenbär mit einem Einhorn, das zwar nicht existiert, aber wie ein weiser Mann wirkt.

–Wie lange haben Sie gebraucht, um diese Installation zu erstellen?

– Ich arbeite schon lange an dieser Ausstellung. Ich arbeite seit etwa vier Monaten daran. Die anderen Skulpturen in diesem Raum (die wie Terrakotta-Bäume aus verschiedenen Materialien hängen) sind mit Lavendel und Mate-Tee gefüllt und enthalten alle Samen von einheimischen Bäumen, was bedeutet, dass hier verborgenes Leben sprießt. Wenn man diese Samenbombe in die Erde wirft, wächst ein einheimischer Baum aus Misiones. Und die Orchideen, die mir aus Misiones geschickt wurden, werden vertrocknen, aber die Pflanze wird überleben. Und nächstes Jahr wird sie wieder blühen. Es sind 42 Orchideen; einige werden lange halten, während andere allmählich absterben, weil sie Teil der Ausstellungslandschaft sind.

–Wovon träumten Sie für diese Ausstellung, als Sie mit den Vorbereitungen begannen?

– Ich wollte etwas zeigen, woran ich schon länger arbeite, in einer Ausstellung, die 2020 in Corrientes begann. Es ist mein rotes Land, mein Territorium, das über eine definierte Region hinausgeht, denn das rote Land liegt in Brasilien, Paraguay sowie Misiones und Corrientes in Argentinien; und es ist das Gebiet der 30 Jesuitendörfer und der Guaraní-Kultur. Über mein rotes Land zu sprechen, geht über meine Provinz hinaus, die mir für diese Ausstellung viel Unterstützung gegeben hat. Mein Territorium hierher zu bringen, bedeutet auch, über meinen theoretischen Rahmen zu sprechen, mein rotes Land, von verschiedenen Orten aus, auch inspiriert von diesem Gedicht von Herib Campos Cervera, das ein wenig davon handelt, was man mitnimmt, wenn man sein Land verlässt. In dieser Handvoll Erde steckt viel. Und es gibt Menschen, die nicht zurückkehren können und denen nur diese Erinnerung an das Glück ihres Herkunftsortes bleibt. Ich kann zurückkehren, aber auf dieser roten Erde habe ich die schönsten Jahre meines Lebens verbracht, das Glück meiner Kindheit, das Leben in der Natur. Wenn ich es klassifizieren müsste, würde es für mich über Kunst und Territorium sprechen.

–Wird man im eigenen Land ein bisschen zum Fremden, wenn man sich von seinen Wurzeln entfernt?

– Ja, für mich gilt: Wer seine Wurzeln nicht pflegt, kann nicht wachsen. Man muss mit dem Kopf im Himmel sein und mit den Füßen auf dem Boden stehen, und so wässert man seine Wurzeln.

–Welche Fragen stellen Sie sich zu dieser Ausstellung?

– Ich stelle verschiedene Fragen, im Wesentlichen in drei Installationen. In dieser geht es um den Kreislauf von Leben und Zeit; um den Höhlenraum; und um die barocke Vanitas im dritten Raum. Es sind unterschiedliche Fragen, aber Schönheit muss in allen meinen Arbeiten präsent sein. Von einem durchbrochenen Papier, dessen Herstellung vier Jahre dauerte, bis hin zu Werken, die von der Vergänglichkeit des Lebens sprechen, einem heikleren Thema. Diese Sprossen, die Wurzeln sind (im ersten Raum), wurden einzeln geflochten, mit Körben aus Dschungelranken; all die kleinen Säckchen wurden genäht, gestopft, gefärbt – mit viel Arbeit – und hier zusammengefügt, wobei die Farbe der Erde vorherrscht. In diesen Installationen steckt der latente Impuls zum Keimen. Und ich schließe diesen Raum mit diesem handgeschnittenen Papier, das in meiner Ausstellung in Salta zu sehen war. Es gab ungefähr vierzehn Räume, es ist verrückt. Dieses Werk spricht von den Flüssen Amerikas, von unserem eigenen Weg und allem, was miteinander verbunden ist.

– Gehen wir weiter zum zweiten Raum und diesen Höhlen mit ihren wunderbaren Kristallen, die wie Quarz aussehen.

– Ich habe diese Kristalle mit einer Boraxlösung und einem Thermoschock hergestellt. Es sind synthetische Kristalle, kein echter Quarz. Die Installation heißt „Vibrant Matter“. Diese Kristalle entstehen in einem fast alchemistischen Prozess. Es ist eine alchemistische Transformation, und vor allem frage ich mich in diesem Teil der Ausstellung, wie sich die Steine ​​als lebendige Materie anfühlen. Es ist der spirituellste Teil der Ausstellung. Wir fragen uns: Was könnte dieser Stein fühlen? Und wir fragen uns auch, wo wir unsere Spiritualität finden. Man betritt die Höhle und kommt neu definiert wieder heraus, an einem Ort, an dem die Natur völlig künstlich ist. Und man fragt sich auch, wann man anfing, an etwas zu glauben, woran nicht einmal die eigenen Eltern glaubten, und wann man begann, seine eigene Spiritualität zu entwickeln.

–Finden Sie Antworten in der Transformation der Materialien, mit denen Sie arbeiten?

– Ich denke, das wirft auch die Frage nach dem Übernatürlichen, dem Natürlichen und dem Künstlichen auf. In diesem Teil bin ich von der amerikanischen Ökophilosophin Jane Bennett inspiriert, die für ihre Arbeit über vibrierende Materie bekannt ist und davon ausgeht, dass nichts inert ist. Wenn ich zeigen will, wie sich Steine ​​anfühlen, kann ich keinen Quarz aus der Natur extrahieren. Ich habe es mir zur Aufgabe gemacht, jedes Element so zu gestalten, dass es diese Frage beantwortet. Als Künstler muss ich mir Fragen stellen, und die Antworten werden die Menschen bekommen, wenn sie diese Höhlen sehen.

–Wie heißt der Übergang zwischen der barocken Vanitas, die die Ausstellung abschließt, und den Höhlen?

– In diesem Bereich sind Arbeiten zu sehen, die ich mit meiner linken Hand gemacht habe. In Spanien war ich von Tàpies' Malerei fasziniert und spürte, dass es da etwas zu entdecken gab. Ich hatte einen Ansatz. Und ich zitiere ihn gerne, weil ich sehr intuitiv arbeite. Für mich ist das wie ein informeller Stil aus Misiones. Ich verwende Zement und Ton, aber auch andere Elemente von mir kommen zum Vorschein. Während der Pandemie wollte ich ein Werkzeug haben, mit dem ich die Kontrolle verliere und mit meiner linken Hand arbeiten kann. Am einfachsten war es, eine andere Geste zu machen und einfach zuzulassen, was dabei herauskommt. In diesem Bereich sind Arbeiten zu sehen, die ich während meines Aufenthalts in Atacama, Chile, sowie in Brasilien und Paraguay geschaffen habe. Die neuesten stammen aus Oberá, Misiones. Das waren sehr unterschiedliche Orte.

–Und der Abschluss Ihrer Ausstellung kehrt in Ihr Gebiet zurück.

– Ja, ich kehre mit dieser barocken Vanitas (Anmerkung der Redaktion: Der Name kommt von dem religiösen Ausdruck „Eitelkeit der Eitelkeiten, alles ist Eitelkeit“; es ist ein Bildgenre, das die Vergänglichkeit des Lebens und die Sinnlosigkeit weltlicher Freuden reflektiert) in meine rote Heimat zurück. Der Barock liegt mir sehr am Herzen. Ich wurde in Apóstoles geboren, einem der 30 Jesuitendörfer. Ich erlaube mir zu sagen, dass der Barock sehr zu mir gehört. Das Haus meiner Eltern ist aus Steinen gebaut, die aus der Jesuitensiedlung des 17. Jahrhunderts stammen. Hier habe ich ein Werk, das diesen Guaraní-Jesuiten-Synkretismus anspricht, inspiriert vom Heiligen Tod, der in Corrientes sehr beliebt war. Und hier kehre ich zum Thema zurück.

–Bei welcher künstlerischen Erfahrung fühlen Sie sich am wohlsten?

Mir gefällt die Installation sehr gut, denn am Ende der Ausstellung wird alles ins Gedächtnis des Betrachters gehoben und auf einem Foto festgehalten, hört aber physisch auf zu existieren. Ich glaube, dieses ästhetische Erlebnis kann das Leben der Menschen verändern, insbesondere das von Kindern. Die Installation zeigt Schönheit und Ausgelassenheit, ist aber auch sehr immersiv. Dieser Teil der Ausstellung thematisiert die Vergänglichkeit des Lebens und ein heikles Thema wie den Tod, auf das wir in unserer Kultur nicht vorbereitet sind. Hier hingegen geht es darum, nach dem Tod eins mit dem Universum zu werden. Damit schließt sich der Kreislauf, der im ersten Raum begann. Die getrockneten Schmetterlinge stammen von einer Schmetterlingsfarm in Misiones, die einige bereits geschützte Arten beherbergt. Sie wurden mir geliehen, aber ich muss sie mit Genehmigung aus Misiones entfernen. Auch diese Ameisenhaufen aus roter Erde wurden aus öffentlichen Räumen meiner Stadt gerettet. Hier habe ich meinen Grabspruch angebracht, den ich anlässlich meines ersten Preises für Maurizio Cattelans Vorschlag zu Gräbern während der Art Basel Cities gewonnen habe. Auf meiner Grabinschrift stand: „Ich war nur auf der Durchreise“, was auch für den Besucher, der es liest, vollkommen verständlich ist. Wir sind alle nur auf der Durchreise und wir sind endlich.

„Eine Handvoll Erde“ von Andrés Paredes kann im Museo Sívori (Av. Infanta Isabel 555, Parque Tres de Febrero) montags, mittwochs, donnerstags und freitags von 11 bis 19 Uhr und an Wochenenden und Feiertagen von 11 bis 20 Uhr besichtigt werden. Dienstags geschlossen.