Veronese, der Dramatiker des großen Welttheaters

Es ist naheliegend, die Prado-Ausstellung mit derselben sensorischen Sensibilität zu betreten, die uns auf einen Jahrmarkt in den Spiegelsaal führt. Wir wissen, dass wir nicht die Welt finden werden, sondern ihr verbessertes Spiegelbild . Eine ideale Version. Oder besser gesagt: eine Lüge, die so schön ist, dass sie am Ende wahr erscheint.

Und genau hier beginnt die Falle – und die Größe – des venezianischen Meisters. Paolo Caliari, genannt Veronese (1528–1588), war weder der tiefgründigste Maler der Renaissance, noch der gequälteste, noch der moralistischste. Veronese war etwas anderes: ein prachtvoller Bühnenbildner, ein Choreograf der Körper, ein künstlerischer Leiter, bevor es überhaupt ein Kino gab.

Die Prado-Ausstellung – die erste monografische Ausstellung über den Maler in Spanien und eine der ambitioniertesten in Europa seit Jahrzehnten – zielt nicht darauf ab, den Mythos zu zerstören, sondern ihn neu zu erschaffen. Und genau darin liegt die Intelligenz der Veranstaltung: Es geht nicht darum, das Trompe-l'œil zu verurteilen, sondern es zu erleben. Der Besucher ist nicht Zuschauer, sondern Galionsfigur in der großen Maskerade der Malerei.

Natürlich gibt es auch die großen biblischen Kompositionen, getarnt als venezianische Soireen. Die Hochzeit zu Kana , die einem Cocktailempfang im Palazzo Dandolo gleicht; die Abendmahle Christi, verwandelt in barocke Opern, in denen der Messias mit der Verdrossenheit eines gewöhnlichen Gastes erscheint. Da Veronese Transzendenz nicht malt, stickt er sie aus. Er löst sie in Brokat, korinthischen Säulen und gähnenden Hunden im Vordergrund der Leinwand auf.

Der Prado vereint unmögliche Anleihen – Paris, Wien, London –, um eine Erzählung zu formulieren, die weder chronologisch noch thematisch, sondern theatralisch ist. Und Theatralik ist keine Oberflächlichkeit, wie die Apostel des grauen Akademismus glauben. Sie ist Wahrheit mit anderen Mitteln. Eine Wahrheit, die sich besser in der Geste einer Kurtisane ausdrückt als im Martyrium eines Heiligen. Oder im abwesenden Blick eines Dieners als in der Salbung eines Auserwählten.

Veronese lügt nicht. Er beschönigt. Er betrügt nicht. Er verführt. Und das ist seine Ketzerei und seine Erlösung . 1573 wurde er von der Inquisition vor das Kapitel zitiert, weil er das Abendmahl mit germanischen Soldaten, Hofnarren und exotischen Tieren verunstaltet hatte. Er antwortete, wenn es die Kirche störe , könne er den Titel ändern. Statt „Abendmahl“ könne es dann „Ein Abendessen im Hause Levi“ heißen. Die Lehre geriet ins Wanken, doch das Gemälde blieb. Und mit ihm wurde eine Art, Kunst zu verstehen, homologiert: nicht als Treue zum Dogma , sondern als Verherrlichung der Künstlichkeit.

Veronese lügt nicht. Er beschönigt. Er betrügt nicht. Er verführt. Und das ist seine Ketzerei und seine Erlösung.

Wenn Sie gehen, wissen Sie nicht, ob Sie eine Ausstellung besucht oder einen Maskenball besucht haben. Aber Sie verlassen den Prado verändert und berauscht . Nicht weiser, aber bereiter, an Schönheit als Form des Widerstands zu glauben.

Es ist kein Zufall, dass die Ausstellung als Bühnenproduktion angelegt ist. Ebenso wenig, dass die Kuratoren – Miguel Falomir , Direktor des Prado, und Enrico Maria dal Pozzolo (Universität Verona) – den Maler wie einen Dramatiker behandeln. Veronese war Bühnenbildner der barocken Seele, bevor dieser selbst geboren wurde. Seine Malerei imitiert nicht das Leben . Sie stilisiert es. Sie erhebt es. Sie verwandelt es in ein so vollkommenes Abbild, dass es es transzendiert.

Sehen Sie sich einfach „Die Familie des Darius vor Alexander“ an, dessen historischer Bericht mit ebenso viel Marmor wie Emotion präsentiert wird. Das Drama wird dem Zuschauer bereits an der Schwelle zum Theater nähergebracht. Veroneses Malerei drängt keine Interpretation auf. Sie legt sie nahe. Und in diesem Spielraum – in dieser Freiheit des Blicks – liegt sein zeitgenössisches Erbe. Das einer Kunst, die uns nicht vorschreibt, was wir denken sollen, sondern uns vielmehr zum Hinschauen einlädt, wie jemand, der sich von einem Florentiner Balkon lehnt, um eine Party zu beobachten, zu der er nicht eingeladen ist.

Die Ausstellung – dieser Meilenstein – bleibt bis zum 29. September geöffnet. Ein ganzer Sommer, um sich von der Komplizenschaft des Prado täuschen zu lassen, der hier keine traditionelle Retrospektive organisiert, sondern eher eine Art barockes Werben um den größeren Ruhm Veroneses , der weder Barock noch ein Hofnarr war, sich aber wie kein anderer auf die Kunst der Verführung verstand.

Ausgestellt – vom Verb „ausstellen“ abgeleitet – sind über hundert Werke aus so illustren Sammlungen wie den Uffizien, dem Louvre , der National Gallery in London, dem Kunsthistorischen Museum in Wien, der British Royal Collection und natürlich dem Prado selbst, in dessen Sälen seit Jahrhunderten einige der sinnlichsten Gemälde des Veroneser Malers zu sehen sind – etwa „Venus und Adonis“ oder „ Kaiser Konstantin“ aus dem Zyklus „Das wahre Kreuz“ –, obwohl ihm aus Bescheidenheit oder Snobismus nie eine solche Würdigung wie seiner Theatralik zuteilwurde.

In seiner Malerei findet sich keine Schuld. Keine Bescheidenheit. Keine Tragödie . Es gibt Theatralik, Luxus, Höflichkeit und als Anstand getarnte Erotik. Wenn Tizian mit Blut malte von Körpern, Veronese tat es mit seinem Parfüm . Und das ist es, was wir in den Räumen des Prado riechen: ein Aroma von heidnischem Weihrauch, von nasser Seide, von reifen Früchten in der Promiskuität des Sommers.