Glenda León; quem é a artista cubana que encheu o céu de Bogotá com as fórmulas químicas da felicidade?

Glenda León gosta de imaginar como alguém teve a ideia de fazer um filme que ela ama, compor uma música que a emociona, criar um objeto que a impressiona ou escrever um livro que ela não consegue largar. Ela se emociona ao ver tudo através dos olhos frescos de sua criança interior, para quem cada situação, cada coisa, cada emoção é uma aventura a ser descoberta. Ela gosta de brincar com a vida cotidiana e rir, porque o riso brota facilmente de sua boca quando fala.

Para esta artista cubana, a arte não precisa brotar das profundezas do desespero ou da pedreira da dor. Para ela, a inspiração surge da realização e da felicidade, da alegria e da calma, do prazer e da alegria. Assim, ela explorou a cor das palavras através de uma velha máquina de escrever cujo tipo foi substituído por giz de cera, ou a maravilha que seria um piano aparentemente quebrado, inutilizável para sua função principal, mas do qual flores amarelas brotam como notas musicais.

Em seu trabalho, León quer que cada objeto, por mais banal que seja, seja visto pela primeira vez, e que cada espectador que se depara com uma de suas instalações fique com a impressão de que existem outras maneiras de ver. Ela consegue isso deslocando a vida cotidiana, mas também incorporando música, efeitos sonoros e dimensões rítmicas em tudo o que faz artisticamente. Como cubana, ela acredita que não poderia viver sem música, já que entre salsa, ritmos africanos e rock, León fez das canções a pátria onde gostaria de viver para sempre.

Outro tema que lhe permeia constantemente a mente são as drogas terapêuticas, que têm vindo a ganhar cada vez mais destaque nos tratamentos psicológicos. Por isso, quando foi convidada para a Bienal Internacional de Arte e Cidade, cujo tema central deste ano é a felicidade, sabia que queria falar sobre estas substâncias que lhe permitiram descobrir-se através da realização e da alegria. O resultado é Céu Proibido, uma série de constelações moleculares em que fórmulas químicas são substituídas por representações cósmicas, e as estrelas, por sua vez, dão lugar a moléculas. O convite é olhar para a felicidade, deixar que os olhos vejam não tabus, mas esperança, deixar que cada um acredite que outro céu pode ser o seu por acaso.

Como surgiu seu interesse pela arte? Como você soube que queria seguir essa carreira?

Não foi um momento único ou uma revelação instantânea. No meu caso, tem a ver com várias coisas: eu era bailarina clássica, estudei história da arte na universidade e comecei muito cedo em uma escola de pintura aqui em Cuba. Foi uma formação muito acadêmica, onde aos 12 anos você começava a pensar se queria ser pintora ou artista visual. Éramos um grupo muito pequeno de crianças que aprendiam sobre pintura, gravura ou escultura pela manhã. Foi uma experiência muito bonita, na qual mergulhei desde muito cedo em diferentes expressões artísticas que também incluíam música e dança. A partir dessa experiência, aprendi a ver o mundo com outros olhos. E um panorama se abriu para mim com três caminhos possíveis: a escrita, porque eu também escrevia, a dança e a arte. Finalmente, decidi por esta última em 1999.

O que você encontrou nas artes visuais que o fez decidir segui-las?

Depois de concluir minha graduação em História da Arte, escrever minha tese sobre performance e adquirir experiência como dançarina, pensei: "Talvez seja hora de fazer performance". Fiz algumas e rapidamente percebi que não gostava de me apresentar fisicamente diante de uma plateia. Isso me levou a escolher instalações. Parecia muito mais espontâneo do que estar diante de uma plateia, porque então eu sentia que estava passando de artista para fazer teatro: eu tinha que encenar meu estado mental e emocional. Não gosto disso nem um pouco. Em vez disso, com a instalação, eu me expresso, e o que crio assume sua própria identidade. Dessa forma, são os objetos que falam, não eu.

A imprensa e a crítica falam muito sobre a dimensão metafórica do que você faz. O que é metáfora para você como artista e qual a sua importância?

Minha linguagem sempre será a poesia, porque é a única maneira que conheço de me expressar. É o que nos permite elevar qualquer situação repressiva, dolorosa, triste ou claustrofóbica a um nível mais alto. A metáfora, então, é o que poderia nos tirar da dor desses estados. Eu sempre digo: "Por que simplesmente nos deter em emoções que já conhecemos?" Não sei se a arte deveria se limitar a más notícias, a uma reflexão dolorosa. Para isso, você já tem a televisão, a imprensa e a internet. A metáfora em meu trabalho busca dar esse salto do simples desespero para a poesia. Sem esse passo além, eu não veria nenhum sentido em meu trabalho.

Suas obras e instalações estão intimamente relacionadas aos sons e à música. Qual o papel do som na sua vida?

Desde pequeno, tocavam salsa em casa, quase a música oficial aqui. E embora, em certo sentido, eu não dance salsa, a verdade é que sim. Porque crescer com ela é quase como aprender a andar: ela te envolve, é algo que você já conhece. Ninguém me ensinou a dançar, mas é um ritmo que carrego dentro de mim. Além disso, como é sabido, aqui em Cuba há uma forte herança africana. Daí vem essa vocação para o ritmo, para a música, para o som, para os tambores. Em todas as regiões cubanas, isso é algo que você sente. Meus pais também ouviam música eletroacústica, o que treinou muito meu ouvido e o sensibilizou. Eu também gosto muito de rock, no qual encontrei uma forma de expressão e rebelião, já que na ilha era definitivamente uma contracultura: significava ir contra a maioria. E embora não fosse censurado enquanto eu crescia, era quase, já que não era comum alguém se identificar como roqueiro. Até recentemente, era impossível encontrar um lugar onde você pudesse ir para ouvir rock. Para mim, a música é um estado de espírito superior. Meu trabalho a incorpora porque é algo que surge de mim quase sem pensar.

Há também seu trabalho sobre substâncias psicoativas, que está justamente relacionado à sua participação na Bienal de Bogotá...

No Parque dos Jornalistas, exibimos sete fórmulas moleculares tridimensionais de sete substâncias proibidas, mas que estão sendo usadas em muitos países como parte do atendimento psicológico. Esses usos variam da superação de traumas ao auxílio a dependentes químicos. Cada vez mais países estão aderindo a essas novas opções terapêuticas, pois demonstram resultados positivos. Isso, na verdade, não é novidade. O potencial de algumas drogas, como o LSD, para melhorar a saúde mental de homens e mulheres é conhecido desde a década de 1960. E se falamos de cogumelos, seu uso remonta a muito mais tempo. Assim, meu trabalho se chama Céu Proibido, e é como uma constelação molecular flutuante para as pessoas observarem. A ideia surgiu após uma experiência muito poderosa que tive com um cogumelo chamado Psilocybe cubensis, descoberto em Cuba. É um dos mais utilizados em clínicas especializadas devido ao seu alto teor de psilocibina benéfica. Com esse cogumelo, experimentei formas muito profundas de felicidade e realização. Então, quando me disseram que o tema da Bienal era felicidade, foi isso que realmente me veio à mente.

Falando em felicidade, muitas vezes se pensa que a arte só surge de emoções tristes, dolorosas e mortíferas. O que você acha desse tipo de lugar-comum?

A felicidade é um tabu tremendo em muitos círculos artísticos. Isso é algo que me incomoda muito, porque quase todos os artistas querem ser Frida Kahlo, a Kahlo sofredora. E não, não: há muito mais. Porque nem toda arte precisa surgir da dor, do trauma ou do infortúnio. É preciso buscar outras dimensões emocionais. A arte pode surgir de milhares de maneiras. Tenho certeza de que existem tantas maneiras quantos seres humanos existem neste mundo. Acho que a visão da arte como dor ou mortificação é mais um atalho para chegar a uma base teórica para a obra. No meu caso, estados de felicidade e realização são o que me permitiram realizar minhas obras.

No seu trabalho, há um forte interesse por objetos, que para a maioria das pessoas são apenas isso: objetos, coisas do cotidiano sem nenhum interesse real além da mera utilidade. O que te atrai nos objetos?

Às vezes digo que preciso consultar um psicólogo para entender por que amo tanto os objetos. Acho que tem a ver com o fato de que eles fazem parte do cotidiano e me permitem transformá-los em algo surpreendente, mudando-os, transformando-os e modificando-os. Um elemento central das minhas instalações é o elemento surpresa. Quando as pessoas veem uma das minhas obras, sentem como se estivessem vendo aquele objeto pela primeira vez. Esse é o impacto que eu esperaria da arte.

Qual a importância das bienais para a arte?

Para mim, é uma das coisas mais importantes que podem acontecer na minha carreira. Acredito que minha arte tem um papel social devido ao seu potencial transformador. Se uma em cada cem pessoas for tocada emocionalmente, essa pessoa pode transmitir esse mesmo sentimento a outra. E assim, uma cadeia transformadora é criada. Nesse sentido, acredito que as bienais permitem que mais pessoas vejam seu trabalho. Além disso, isso o legitima como artista quando um curador o escolhe entre centenas ou milhares de outros artistas que ele poderia escolher.