Consejos de un crítico de cine: Siete películas que perdurarán

¿Qué ocurre en Barbielandia, donde los residentes, eternamente sonrientes, salen flotando de casas sin paredes hacia sus descapotables aparcados en la puerta? ¿Donde cada día de playa es tan perfecto como el siguiente? ¿Y donde Ken solo siente que existe cuando Barbie capta su atención? De repente, los tacones de Barbie se hunden en el suelo. Y... está pensando en la muerte.

La directora neoyorquina Greta Gerwig interpretó a la muñeca más popular y controvertida del mundo en "Barbie" (2023). Hasta entonces, Gerwig era conocida por películas protagonizadas por mujeres independientes ("Lady Bird", "Mujercitas"). Y ahora le dio vida a Barbie (Margot Robbie), una figura feminista odiada cuyas medidas imposibles llevan a las mujeres a obsesionarse con las dietas.

En "Barbie", surgió la pregunta: ¿Quién usa a quién? ¿Estaba Gerwig produciendo un anuncio de larga duración con potencial de éxito de taquilla para Mattel, el segundo mayor fabricante de juguetes del mundo (después de Lego)? ¿O estaba el director liberando a la muñeca más perfecta del mundo de su infierno infantil rosa?

En definitiva, "Barbie" fue un empoderamiento para el sexo femenino. Pocas veces los personajes de una película palomitas han reflexionado sobre lo que significa ser mujer de forma tan extensa, rápida y con tanto humor. O hombre. Da igual. Al final, son aquellos descartados de la línea de producción de Mattel por defectos quienes dan un paso al frente para salvar el mundo Barbie. Se pronuncian frases impactantes: "Soy un hombre sin poder. ¿Eso me convierte en mujer?".

El conductor de reparto de paquetes Ricky siempre está bajo presión: escena de "Sorry We Missed You".

Fuente: Distribuidor

Un pequeño grupo de periodistas esperaba a Ken Loach en el Festival de Cine de Cannes de 2019. El director británico llegó puntual, como siempre, por respeto a sus semejantes. Llevaba una barra de chocolate en la mano. Y ahora estaba en un aprieto.

Su sentido de la justicia exigía que el chocolate se compartiera. ¿Cómo se comparte una tableta con ocho personas? Loach repartió el chocolate en círculo. Cuando regresó, solo quedaba un pequeño trozo en el envoltorio. Loach lo reconoció con una sonrisa amable. De eso se trata la solidaridad.

Este es a menudo el tema de sus películas, incluyendo la que presentó en Cannes: «Sorry We Missed You» se traduce como «Desafortunadamente, no te encontramos», una frase común entre los repartidores de paquetería. Los destinatarios suelen sentirse molestos por esto, pues creen que el mensajero es demasiado perezoso para entregar el paquete correctamente.

En la película de Loach, vemos la situación desde la perspectiva de un falso mensajero autónomo. Ricky, un hombre de familia, recorre las calles a toda prisa gracias a un GPS. Ni siquiera tiene tiempo para orinar en el camino. Si llega tarde, el estresado Ricky se enfrenta a sanciones. En casa, la cohesión familiar ha estado en juego durante mucho tiempo.

Ricky es esclavo del mundo laboral digitalizado. Un director que se pone tan incondicionalmente del lado de los débiles es hoy más importante que nunca.

Es hora de decir adiós: una escena de "Amor".

Fuente: imágenes de imago/Mary Evans

El amor es posiblemente el tema cinematográfico más exagerado, retorcido, manipulado y exprimido una y otra vez. Un director necesita un enfoque especial para llegar al público. Michael Haneke lo logró brillantemente con "Love" (2012).

Al mismo tiempo, esta es una película sobre la despedida. El director austriaco muestra cómo dos personas que aún se aman sobrellevan este amargo final. Cómo Georges y Anne luchan por mantener su dignidad cuando uno de ellos solo puede beber de un vasito y tiene que ser lavado y cambiado. Cómo, a pesar de todo, todavía hay momentos de unión y conmovedores, incluso aquellos que ambos rescatan del recuerdo y los traen al presente.

Difícilmente se habría esperado una película así del cínico analista Haneke ("Funny Games"). La aparente sobriedad de "Love" esconde una gran dosis de ternura. Haneke puso a prueba la resiliencia del amor para toda la vida.

Esta historia fue aún más impresionante gracias a los dos actores principales, quienes celebraron su regreso a la gran pantalla a una edad muy avanzada —ambos mayores de 80 años— y asumieron un papel difícil pero realista. Emmanuelle Riva interpretó a la seductora mujer en "Hiroshima, mi amor" (1959) de Alain Resnais, y Jean-Louis Trintignant fue uno de los actores más solicitados en películas como "El deseo de una mujer" (1956). Ambos ya fallecieron.

Susurrador: Escena de "Parásitos".

Fuente: Koch Films

El capitalismo también se puede superar actuando conforme al sistema: una familia desesperadamente pobre se infiltra astutamente entre los ricos. El director Bong Joon-ho ganó la Palma de Oro en Cannes y un Óscar por "Parásitos" (2019).

Hay algunas cosas que puedes aprender sobre ricos y pobres en esta película, por ejemplo: los pobres tienen un olor peculiar, al menos cuando viven en un sótano como la familia Kim de cuatro miembros. Lo que puedes aprender sobre los ricos es que les resulta fácil ser amables y generosos, precisamente porque son ricos. Cualquier problema se puede solucionar con dinero, como con una plancha.

Los Kim se hacen contratar deliberadamente en la elegante casa de los Parks: como tutores, terapeutas artísticos, chóferes y amas de llaves. Lo único que queda para mantener con vida a los parásitos humanos —si se quiere usar la expresión del título de la película— es su anfitrión. Y ese anfitrión son los Parks.

Aquí, el público se enfrenta al contraste entre los de arriba y los de abajo en casi cada escena. Pocas veces la lucha de clases desde abajo se ha transformado en aventuras tan oscuras y humorísticas.

Bomba de tiempo: Benni (Helena Zengel) antes del siguiente estallido de ira.

Esta película tuvo un impacto más allá de la pantalla. Desencadenó un debate sobre el sistema de bienestar juvenil: "Systemsprenger" (2019), de Nora Fingscheidt, cuenta la historia de Benni, un rompedor del sistema. Este término se refiere a niños con problemas de conducta que ya no pueden recibir apoyo de psicólogos y educadores.

Pero esto no es un documental. Aquí, la pantalla se ilumina de rosa cada vez que Benni sufre su siguiente ataque; por ejemplo, cuando alguien comete el error de tocarle la cara. No lo soporta.

La niña se descontrola como una bomba de relojería. En un momento, Benni es una niña juguetona y al siguiente se golpea la cabeza contra la ventanilla de un coche. Escupe en la cara de la gente, da puñetazos y patadas, y amenaza a sus ayudantes con un cuchillo de cocina. Cuando la situación se pone realmente fea, la sedan con medicamentos en un hospital psiquiátrico.

"System Crasher" es una película tan dura como sensible, que narra no solo la historia de Benni, sino también la impotencia de quienes la ayudaron. Para Helena Zengel, la entonces actriz principal de diez años, "System Crasher" marcó un despegue fenomenal en su carrera. La llevó a Hollywood, donde trabajó junto a Tom Hanks ("News of the World").

Chofer subversivo: Jafar Panahi en "Taxi Teherán".

Fuente: imago images/Everett Collection

Fue uno de los momentos más conmovedores de la Berlinale de 2015, y también uno de los más deprimentes: una niña, con lágrimas en los ojos, alzó con orgullo el Oso de Oro. La niña de diez años se llamaba Hana Saeidi y aceptó el trofeo en nombre de su tío, Jafar Panahi, encarcelado en Irán. El director, agobiado, no pudo recoger el premio por "Taxi Teherán" (2015) en persona.

Pero su película llegó a la Berlinale: una cámara giratoria fue instalada en el salpicadero de un taxi. Así es como Panahi engañó a los guardias de seguridad iraníes en la calle.

Mientras el tráfico afuera vibra, adentro, la gente habla de todo. Dos pasajeros debaten acaloradamente sobre la pena de muerte y la sharia. Un accidentado, cubierto de sangre, recita su testamento en el teléfono de Panahi para que su esposa, que llora, y no solo sus hermanos, también reciban parte de su herencia. Un traficante vende DVD piratas ilegales de Occidente (incluyendo "Medianoche en París" de Woody Allen).

Cuando un abogado se sienta en el asiento del copiloto, el coche se transforma en una célula de la resistencia. La activista de derechos humanos relata cómo se acorrala a los disidentes en Irán: primero, se les acusa de trabajar para el Mossad o la CIA, luego se les acusa de transgresiones morales y, finalmente, se presiona a la familia para que se aleje. Nasrin Sotoudeh interpreta a la esposa, quien en realidad representa a miembros de la oposición y pasó muchos años en prisión.

Al final, la pantalla de "Taxi" se queda en negro: unos ladrones han robado la cámara buscando el chip. Pero la cámara está vacía; el cine de valientes directores iraníes no se ve frustrado tan fácilmente. Panahi ha dejado atrás la prisión y una huelga de hambre. A día de hoy, mantiene su libertad artística en Irán. En mayo, ganó la Palma de Oro en Cannes por "Un simple accidente", y estuvo allí.

Cigarro después del trabajo: el comandante del campo de concentración Höß (Christian Friedel) en “La zona de interés”.

Fuente: LEONINE Studios

El protagonista de "La Zona de Interés" (2024) es un hombre de familia preocupado. Se llama Rudolf Höß (Christian Friedel). Ocupación: Comandante del campo de concentración de Auschwitz. El jardín de la villa Höß linda directamente con el muro del campo de concentración: "Plantaremos vides allí", dice su esposa Hedwig (Sandra Hüller) desde el principio hasta el último minuto en el inquietante drama cinematográfico "La Zona de Interés".

Al principio, la pantalla permanece negra durante minutos. Escuchamos una cacofonía apenas identificable. ¿Así suena Auschwitz? Más tarde, podemos apreciar mejor el ruido que viene del otro lado del muro. Rugidos, gritos de terror, latigazos, disparos. El tormento diario en el campo. Nunca vemos a la gente del campo de concentración de Auschwitz.

Nadie ha hablado del Holocausto como el británico Jonathan Glazer. Después de 1945, se intentó prohibir las imágenes del Holocausto. Según el francés Claude Lanzmann, cualquier imagen equivale a una "trivialización de los acontecimientos". Para su ensayo cinematográfico de nueve horas, "Shoah", viajó a Treblinka, Sobibor, Auschwitz y otros campos de concentración entre 1974 y 1985. Se abstuvo de utilizar imágenes de archivo o fotografías de cadáveres.

Con ello, se distinguía de los dramas convencionales posteriores: la serie de televisión de ficción "Holocausto" (1979) se filmó en las cámaras de gas de Mauthausen. El director británico Glazer rechaza tal filmación en "Zona de Interés". Separó el aparente idilio de la barbarie solo con un muro.